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2013年8月

2013/08/28

Francisco Durrio (1868-1940) Sobre las huellas de Gauguin フランシスコ・ドゥリオ(1868-1940) ゴーギャンの痕跡

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Broche (Cleopatra abraza y besa a la serpiente), anterior a 1904
Plata cincelada y piedra verde, 4,5 x 12,1 x 1,4 cm Musée d’Orsay, París

Francisco Durrio (1868-1940)
Sobre las huellas de Gauguin


会期 Del 3 de junio al 15 de septiembre de 2013
会場 Sala BBK, Museo de Bellas Artes de Bilbao
         Museo Plaza, 2. 48009 Bilbao, España
         De martes a domingo de 10.00 a 20.00 horas.
         Lunes cerrado (salvo aperturas extraordinarias).
         El desalojo de las salas se inicia 15 minutos antes del cierre.
後援 BBK Fundazioa
コミッショナー Javier González de Durana

 20世紀美術史の中で、重要ながらもその存在をあまり知られていない美術家たちのひとりFrancisco Durrioの絵画、彫刻、陶芸、金銀細工の作品が展覧できる。

 Francisco Durrio(Valladorid, 1868-Paris, 1940)は、作品の独自性(彫刻、金銀細工、陶芸)とともに、スペイン・バスクの画家たち(Ignacio Zuloaga, Francisco Iturrino, Juan de Echevarría…) y catalanes (Ramón Casas, Hermen Anglada-Camarasa, Manolo Huguéなど)に影響を与えた世紀末パリの先端芸術の紹介者として、20世紀前半における重要な人物であった。1901年から1904年まで、当時のヨーロッパから若き芸術家たちが集まったモンマルトルのアパート「洗濯船」に住んだ。パリ在住は50年を超え、その間に、多くの前衛芸術家たちと知り合えた。パブロ・ピカソとともに陶芸制作を行い、ポール・ゴーギャンとは親交を深めた。Durrioは、ピカソやゴーギャンと他の芸術家たちとの結びつきの役目も果たした。

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展覧会カタログ
Francisco Durrio (1868-1940). Sobre las huellas de Gauguin
Autor: Javier González de Durana, Miriam Alzuri, María Amezaga
2013、スペイン語テキスト、24.5 x 27 cm、ソフトカバー、304頁、カラー図版297点
10,350円
La exposición, comisariada por el historiador Javier González de Durana, reúne por primera vez la casi totalidad de la obra catalogada del escultor, orfebre y ceramista Francisco Durrio (Valladolid, 1868–París, 1940), con el objetivo de abordar los temas, los materiales y las técnicas artísticas que le interesaron, pero también las relaciones que estableció en el parisino barrio de Montmartre, en donde vivió más de 50 años. La personalidad artística de Durrio resulta poco comprensible si la separamos de ese entorno creativo y social en el que se desenvolvió. Sus amigos, la comunidad artística de la que formó parte y el estimulante entorno de la bohemia del París finisecular contribuyeron decisivamente a moldear la personalidad de un escultor que siempre buscó la perfección.

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Francisco Durrio (1868-1940)
Sobre las huellas de Gauguin

Aunque poco conocido por el gran público, Francisco Durrio (Valladolid, 1868–París, 1940) es un personaje clave dentro del arte de la primera mitad del siglo XX, tanto por la originalidad de su obra (escultura, orfebrería y cerámica) como por el papel difusor de las novedades artísticas del París fin de siglo que ejerció entre la abundante colonia que formaban, principalmente, los pintores vascos (Ignacio Zuloaga, Francisco Iturrino, Juan de Echevarría…) y catalanes (Ramón Casas, Hermen Anglada-Camarasa, Manolo Hugué…).

Vivió entre 1901 y 1904 en el célebre Bateau-Lavoir de Montmartre, edificio en el que se reunieron y trabajaron los más importantes artistas europeos del momento. Pero su estancia en la capital francesa se prolongó más de medio siglo y en ese tiempo conoció a muchos de los protagonistas de la, por entonces, vanguardia artística. Trabajó la cerámica junto a Pablo Picasso, mantuvo una estrecha amistad con Paul Gauguin y sirvió como enlace transmisor de los logros estéticos entre éste y otros artistas, entre ellos, el propio Picasso.

A pesar de estar ya en París en 1889, conservó siempre un fuerte vínculo con Bilbao, su ciudad de adopción y en donde mostró su obra en numerosas exposiciones. Desarrolló, además, una prolongada labor como marchante de arte –especialmente, para su mecenas Horacio Echevarrieta–para contribuir a sus escasos recursos económicos y reunió una importante colección personal de obras de Gauguin y otros autores que, a lo largo de los años, se vio obligado a ir vendiendo para poder sobrevivir.

El comisario de la exposición, Javier González de Durana, ha reunido por primera vez la casi totalidad de su obra catalogada (un centenar de piezas), junto a un nutrido conjunto de obras de sus amigos artistas. El objetivo es abordar los temas, los materiales y las técnicas artísticas que interesaron a Durrio, pero también las relaciones que estableció en París, en donde vivió hasta su muerte en 1940. Se presentan cerca de doscientas piezas en total –óleos, esculturas, cerámicas, acuarelas, grabados, orfebrería, documentación diversa y fotografías de época–, entre las que se incluyen 72 trabajos de sus amigos y, especialmente, del más significativo de todos ellos, Paul Gauguin (dos óleos, 18 obras sobre papel y cuatro cerámicas y una escultura en madera).

Esta primera gran retrospectiva y el exhaustivo catálogo que la acompaña se enmarcan dentro de la labor de recuperación e investigación sobre el arte vasco emprendida por el museo con el objetivo de profundizar en las biografías de los artistas y de contribuir al establecimiento riguroso de su catálogo de obras y textos críticos. Ejemplos recientes de este empeño son las exposiciones dedicadas al pintor Anselmo Guinea (2012) y al escultor Néstor Basterretxea (2013), ambas patrocinadas, como ésta dedicada a Durrio, por BBK Fundazioa.

En el origen de este objetivo está la más importante colección de arte vasco existente, que se conserva en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. En el caso de Francisco Durrio, el museo posee 26 piezas, entre cerámicas (10), piezas de orfebrería (14) y esculturas (2), es decir, un cuarto de su producción conocida, que se exhibe ahora al completo en esta exposición. Otras colecciones relevantes, como las del Musée d’Orsay de París (una cerámica y tres piezas de orfebrería) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (15 piezas de orfebrería), han contribuido decisivamente a la exposición con sus préstamos.

Por último, hay que añadir que el fondo de obras de Francisco Durrio del museo se ha visto completado recientemente gracias a Flora Pié, quien en 2012 donó cuatro cerámicas de Durrio junto con la pintura al óleo Retrato de Paco Durrio, de Juan de Echevarría, y otras cinco piezas de técnicas diversas realizadas por Joan Pié (Vilabella, Tarragona, 1890–Gigny, departamento de Yonne, región de Borgoña, Francia, 1977), colaborador de Durrio.

RECORRIDO EXPOSITIVO SALA BBK DEL MUSEO

I. El individuo y su retrato: de lo particular a lo universal

Tras los retratos de Francisco Durrio realizados por Roy, Echevarría y Guezala, abren la muestra los inicios de la trayectoria artística de Durrio, representados por bustos y tondos de escayola, mármol, cerámica y bronce. Remiten a la tradición retratística del siglo XIX de corte academicista, aunque muestran cierta influencia del realismo. Destaca el conjunto de retratos de la familia Echevarrieta. El mecenazgo de Cosme Echevarrieta y de su hijo Horacio fue fundamental en la carrera de Durrio, no sólo por los importantes encargos de obras –como estos bustos o el panteón familiar– y por la adquisición de piezas de Durrio, sino también por su papel como asesor de la familia en la compra de obras de arte (al menos dos gauguins y un van gogh), que fue para Durrio una prolongada fuente de ingresos.

II. Montmartre, cita de artistas

Antes de que Durrio se estableciera en París, los únicos artistas vascos que tenían contactos internacionales eran Adolfo Guiard y Darío de Regoyos. Los catalanes Santiago Rusiñol y Ramón Casas pronto acudieron a la capital francesa y frecuentaron Montmartre. Después llegarían Zuloaga, Iturrino, Hugué y Picasso, entre otros muchos, y, por supuesto Durrio, quien fue capaz de establecer estrechos vínculos artísticos y profesionales con muchos de ellos. En ese sentido, es bien sabido que Durrio aprendió a hornear arcilla en el estudio del afamado ceramista Ernest Chaplet, en donde inició en 1893 una amistad con Gauguin que cambiaría el rumbo de su creación artística. Además acogió a Picasso en su primer viaje a París y le enseñó a cocer esculturas en barro en su propio horno. También enseñó a Manolo Hugué el arte de la ofebrería.

III. Paul Gauguin: amigo y héroe

La selección de gauguins reúne más de 20 piezas –dos óleos, acuarelas, grabados y cerámicas–, algunas de las cuales pertenecieron a la colección privada de Durrio. Se sabe que tuvo más de un centenar de obras del pintor y, entre ellas, prácticamente toda la obra gráfica. En su colección estuvieron las series completas Volpini y Noa-Noa. Se desconoce el paradero actual de su serie Volpini, pero en la exposición se muestra la tirada perteneciente al Metropolitan Museum de Nueva York. Se incluyen también aquí cuatro cerámicas de Gauguin, quien a partir de las enseñanzas de Chaplet fue capaz de dar un uso novedoso a la arcilla cocida, tanto en sus formas como en su iconografía. Durrio fue dueño de la pieza Hina hablando a Tetatou, incluida en esta sección.

También se expone Lavanderas en Arlés (1888) del Museo de Bellas Artes de Bilbao, quees la primera pintura de Gauguin que entró a formar parte de una colección pública española. La Diputación Foral de Bizkaia la adquirió al marchante parisino Druet con destino al museo, donde ingresó en 1920 después de que participara en la Primera exposición internacional de pintura y escultura celebrada en Bilbao en 1919. A ella prestó Durrio varios gauguins de su propiedad, un courbet y dos van goghs, además de un óleo de Monticelli que el museo adquiriría años más tarde al propio Durrio. Contribuyó también, junto con Zuloaga, a la adquisición de una de las obras maestras de la colección, San Sebastián curado por las santas mujeres de Ribera, y a la del Retrato de Felipe IV, del círculo de Velázquez.

IV. Orfebrería: grandes esculturas de reducidas dimensiones

A continuación se recogen 46 piezas de orfebrería, principalmente en plata y algunas con piedras semipreciosas, que encarnan en seres enigmáticos la faceta más personal y creativa de Durrio. Es precisamente en su trabajo como orfebre en donde, con un lenguaje puramente modernista, explora con mirada de escultor el mundo de ensueños y mitos que más tarde desarrollaría en sus cerámicas y esculturas. Durrio fue de los primeros artistas en los inicios del siglo XX con una concepción escultórica de la orfebrería, que plasmó en un conjunto de joyas de las que hoy conocemos no más de 25 modelos diferentes, con una edición limitada de cada una de nueve ejemplares. Son broches, hebillas, colgantes, sortijas, alfileres y argollas, de líneas ondulantes y formas cerradas, y con fuerte carga simbolista e inspiración oriental.

V. El fuego creador: cerámicas y metales

Entre 1903 y 1905 Durrio centró su interés en la cerámica. Había conocido al ceramista Daniel Zuloaga a través de su amistad con su sobrino, el pintor Ignacio Zuloaga, y ya en París estudió la técnica de la cerámica vidriada y el esmaltado en el taller de Ernest Chaplet, al que también asistió Gauguin con el mismo propósito. Recién llegado a París, Picasso realizaría sus primeras esculturas cerámicas en el estudio de Durrio en Montmartre. Como ceramista Durrio elaboró jarrones, vasijas y otras piezas modelando formas redondeadas de carácter modernista que la ductilidad del barro le permitía conseguir. Su afán experimental le llevó a diseñar un horno para piezas de gran tamaño, que nunca llegó a concluir.

Pensó, incluso, en la posibilidad de realizar su más importante escultura, el Monumento a Juan Crisóstomo de Arriaga, incluyendo piezas cerámicas, propósito del que finalmente desistió, pero del que nos han llegado algunos ensayos que se exponen en esta sección. También se incluyen tres de los cuatro grandes jarrones que realizó para el banquero José María Abaroa, quien primero los tuvo en la sede parisina de su empresa y después en el jardín de su finca en Lekeitio (Bizkaia), su localidad natal, donde se las regaló a la emperatriz Zita, antes de pertenecer, finalmente, a una colección privada. Están entre las mejores piezas de su producción, en donde el influjo de Gauguin se percibe claramente. Los grandes poetas simbolistas y críticos de arte Mallarmé y Morice elogiaron en sus escritos las cerámicas de Durrio.

VI. Memoria y muerte: proyectos monumentales

Concluye la exposición con una sección sobre la memoria y la muerte, en donde se muestran –a través de esculturas, fotografías de época y dos vídeos realizados para esta exposición– tres memoriales, que constituyen la faceta más utópica de la carrera de Durrio, por su complejidad técnica y ambición creativa. Dos de ellos se vieron materializados tras muchos avatares, uno parcialmente, como el panteón de la familia Echevarrieta, y otro, el Monumento a Juan Crisóstomo de Arriaga, con múltiples cambios e intervención de su discípulo Valentín Dueñas. El tercero, el Temple de la Victoire, se quedó en el papel, pues a pesar del entusiasmo que despertó no sobrevivieron ni siquiera sus maquetas. Del inconcluso panteón de la familia Echevarrieta, en el cementerio de Getxo (Bizkaia), han llegado hasta nosotros la figura expresionista de San Cosme (1905) y la verja simbolista (c. 1930-1931) de acceso al panteón. El proyecto para el Temple de la Victoire (1919-1920) fue presentado en el Salón de Otoño de 1920 y por él Durrio fue nombrado caballero de la Legión de Honor de Francia, aunque nunca llegó a realizarlo. Fue concebido como homenaje a Francia y los países aliados en la Primera Guerra Mundial.

El Monumento a Juan Crisóstomo de Arriaga (1906-1932), situado en el exterior del museo, tuvo aún una historia más azarosa desde que en 1906 el Ayuntamiento de Bilbao convocara un concurso, ganado por Durrio, para homenajear al músico bilbaíno en el centenario de su nacimiento. En 1911 se presentaron el pedestal y la figura de la musa, pero la obra quedó inconclusa y en 1932 se decidió que Durrio acabara el proyecto y su discípulo Valentín Dueñas ejecutara la obra. En agosto de 1933 el monumento fue inaugurado en la pérgola del Parque de Bilbao pero en 1950, tras una campaña contra la figura desnuda llevada a cabo por el diario La Gaceta del Norte, la musa fue sustituida por otra vestida, realizada en piedra por Enrique Barros. La musa original quedó almacenada en el museo hasta 1975, año en el que el monumento se instaló en su emplazamiento actual (la versión de Barros puede verse en la fuente situada en el Paseo de Uribitarte en Bilbao). La figura principal representa a Euterpe, musa de la música, que lamenta la muerte temprana del compositor. Sobre el pecho apoya una lira cuyas cuerdas se forman por el agua al caer. Los frisos de la base simbolizan, mediante pájaros en el pentagrama, el canto, y los mascarones representan dos sirenas (mujeres-ave), que en la tradición oriental representan el alma separada del cuerpo. Consiguió aquí Durrio una de las mejores obras de toda su producción.

2013/08/23

森美術館 MAMプロジェクト/ガブリエル・アセベド・ベラルデ MAM Project by Mori Art Museum: Gabriel Acevedo Velarde

 森美術館(東京都港区)は、世界で芽生えている多才なアーティストを紹介する小規模な個展シリーズ「MAMプロジェクト」を開催している。9/21(土)に開幕する「MAMプロジェクト019:エムレ・ヒュネル」に続くラインアップが決定した。「MAMプロジェクト020」はペルーのアーティスト、ガブリエル・アセべド・ベラルデを取り上げる。

■「MAMプロジェクト019:エムレ・ヒュネル(1977年イスタンブール生まれ)
会期:2013/9/21(日)-2014/1/3(月・祝)
会場:森美術館   東京都港区六本木6-10-1 六本木ヒルズ森タワー53階
入場料:一般1,500円
企画:椿 玲子(森美術館アソシエイト・キュレーター)

 科学、戦争、テクノロジー、建築などの歴史を踏まえ、危うさをはらんだ文明社会、その延長線上にある未来について問いかける作品を制作する。

■「MAMプロジェクト020:ガブリエル・アセベド・ベラルデ」
会期:2014/2/1(土)-5/6(日)
会場:森美術館   東京都港区六本木6-10-1 六本木ヒルズ森タワー53階
企画:荒木夏実(森美術館キュレーター)

 ガブリエル・アセべド・べラルデ/Gabriel Acevedo Velarde(1976年、ペルー生まれ)は、リマとメキシコシティで美術と写真、映像を学び、アニメーションなどのビデオ作品を始め、ドローイングや立体作品、インスタレーションなど多様な手法を用いて表現します。現在はベルリンに在住し、南米やアメリカ、ヨーロッパ各地で作品を発表している。
 監視によって個性が奪われる社会の仕組みを巧みに描いたアニメーション作品や、公共の場所に置いてありそうな立体作品など、アセべドは個人と集団、公共との関係性に注目します。森美術館では、映像の新作を発表する予定。

■「MAMプロジェクト021:メルヴィン・モティ」
会期:2014/5/31(土)-8/31(日)

 メルヴィン・モティ(1977年、オランダのロッテルダム生まれ)は、ヨーロッパ各地を拠点に、映像、立体作品、インスタレーション、書籍などを制作するコンセプチュアル・アーティスト。
本展では、ロシア宇宙主義者のアレクサンドル・チジェフスキーに着想を得た新作を発表予定。

■「MAMプロジェクト022:ヤコブ・キルケゴール」
会期:2014/9/20(土)-2015/1/4(日)

 ヤコブ・キルケゴール(1975年、デンマーク生まれ)は、エネルギーとしての振動、時間、音、そして聴覚の科学的かつ美的側面をテーマに活動しています。本展では、福島第一原子力発電所事故などをテーマに新作を発表予定。

2013/08/22

スペイン美術 Spanish Art

1. EL GRECO : Art Visionary of the Golden Age
エル・グレコ 黄金期の幻視的芸術

Marias, Fernando.  London: Thames and Hudson, 2013. 29cm., hardcover, 352pp., 200 color illus. English edition.
10,560円

Domenikos Theotokopoulos, known to us as El Greco, was one of the seminal figures of the Spanish Golden Age. This magnificent volume, published to mark the four hundredth anniversary of the artist's death, features superb new photographs of recently cleaned and restored paintings, revealing hitherto unknown facets of his art. Born in Crete in 1541 under Venetian rule, raised in the iconographic traditions of Byzantine art, and acquainted with both Greek Orthodox and Roman Catholic practice, El Greco journeyed to Venice and Rome in the late Renaissance, before finding patronage in Spain at the court of Philip II. He was a painter not only of religious subjects but also of idiosyncratic portraits executed in his own uniquely dramatic and expressionistic style. He spent approximately half his life in Toledo, a city with which his name has become indelibly linked, although he was never fully accepted and was known there as a disputatious outsider.
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2. SOROLLA and America
ソロリャとアメリカ

Pons-Sorolla, Blanca. Madrid: El Viso, 2013. 28cm., hardcover, 256pp. illus., most in color. English text. Exhibition to be held at Meadows Museum, Dallas(2013年12月13日-2014年4月19日).
8,550円

Joaquin Sorolla y Bastida (1863-1923) first achieved major international success with his painting Otra Margarita! (Another Marguerite!) (1892), for which he received first prize at the World's Columbian Exposition of 1893 in Chicago. This painting was also the first work by the Spanish artist to enter an American institution when it was donated to the Museum of Fine Arts (today the Mildred Lane Kemper Art Museum) at Washington University in St. Louis in 1894. Sorolla's fame in America grew; in 1909, more than 150,000 visitors attended an exhibition of Sorolla's art at The Hispanic Society of America in New York in 1909. Furthermore, the artist was invited to the White House to paint the portrait of President William Howard Taft. The landmark exhibition of 1909 was followed two years later by another major show of more than 150 of his paintings held at the Art Institute of Chicago and the St. Louis Art Museum. Sorolla and America explores the artist's relationship with early twentieth century America through the lens of those who commissioned him, those who collected his works, and those artists, such as John Singer Sargent and William Merritt Chase, with whom Sorolla closely associated. Particular attention is dedicated to the artist's association with The Hispanic Society of America and with key figures like Archer Milton Huntington and Thomas Fortune Ryan.
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2013/08/21

Asco: Elite de lo oscuro

Asco: Elite de lo oscuro
Una retrospectiva 1972-1987


会期 2013年3月21日-7月28日
水・金・日:10:00-18:00、木・土:10:00-20:00、月・水:休館
会場 Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Insurgentes sur 3000, Centro Cultural Universitario, Del. Coyoacán, C.P. 04510, Ciudad de México, México

Artistas / Asco (Harry Gamboa Jr., Gronk, Willie F. Herron III y Patssi Valdez)
Curadoras / Rita González y C. Ondine Chavoya
Curadora asociada / Alejandra Labastida
Exposición organizada por Los Angeles County Museum of Art y el Williams College Museum of Art, con el apoyo de la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales, la National Endowment for the Arts y la Fundación Robert Mapplethorpe.

ロサンジェルスをベースにして、1970年代初めに始まったマルチメディアアート共同体Asco(スペイン語で嘔吐という意味)は、チカーノアートの新興様式を皮肉り、そしてチカーノアートが取り囲む境界線をつきのけるパフォーマンス、ストリートシアター、コンセプチュアルアートを生み出した。4人の創立メンバーHarry Gamboa Jr.、Gronk、Willie Herron、Patssi Valdezたちはマスメディアとアートジャンルを行き来し、フォトノベラ(イラストの代わりに写真を使って、漫画本に似せた小冊子)、メールアート、写真、ハプニング、作り話や詩を創作している。今展はメキシコで開催される回顧展となる。

Asco: Elite de lo oscuro, una retrospectiva 1972-1987 es la primera exposición en presentar la amplia gama de obra del grupo chicano Asco, un colectivo de arte conceptual y performance que trabajó en Los Ángeles de 1972 a 1987.  El  grupo de  artistas estaba compuesto por Harry Gamboa Jr., Gronk, Willie F. Herron III y Patssi Valdez. Tomando su nombre de la contundente palabra  castellana que designa la repugnancia y la náusea, Asco se dedicó a través del performance, el arte público y multimedia a responder a los  periodos de turbulencias socio-políticas  en Los Ángeles y en el contexto internacional. El colectivo de arte se mantuvo activo hasta mediados de 1980, ampliándose para incluir a artistas como Diane Gamboa, Sean Carrillo, Daniel J. Martínez y Sandoval Teddy, entre otros.

Geográfica y culturalmente segregados de la aún incipiente escena de arte contemporáneo de Los Ángeles y estéticamente  en desacuerdo con el emergente movimiento de arte chicano, Gamboa, Gronk, Herron y Valdez se unieron para explorar y explotar los medios de comunicación sin límites de lo conceptual. Creando por cualquier medio necesario, aunque a menudo haciendo uso de sus cuerpos y tácticas de guerrilla, Asco fusionó el activismo y el performance; y en este proceso, empujó los límites de lo que podría abarcar el arte chicano.

La muestra está organizada de acuerdo a las diversas tácticas estéticas y críticas empleadas por el colectivo. Incluye proyecciones de video, escultura, pintura, performance y documentación, collage, arte por correspondencia,  fotografía  y  en particular, sus No-Películas: performances que invocan los códigos formales del cine con la intención de replicar sus estrategias de distribución y propaganda pero que son creados para la cámara fija. La intención última del colectivo era aprovechar su posición de exilio auto-impuesto para subvertir el proceso histórico que produjo al chicano como el punto ciego de los medios e instituciones políticas y culturales y crear espacios de visibilidad críticos para la comunidad chicana.

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Asco: Elite de lo oscuro. Una retrospectiva 1972-1987. MUAC, 2013. Fotografía: Oliver Santana.

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Asco, Instant Mural, 1974, fotografía a color de Harry Gamboa, Jr. Cortesía del artista. © Asco; photograph © 1974 Harry Gamboa, Jr.

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Asco: Elite de lo oscuro. Una retrospectiva 1972-1987. MUAC, 2013. Fotografía: Oliver Santana.

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Asco: Elite de lo oscuro. Una retrospectiva 1972-1987. MUAC, 2013. Fotografía: Oliver Santana.

『iSAMU』 イサム・ノグチをめぐる3つのストーリー

 イサム・ノグチと言えば、メキシコのフリーダ・カーロとの関係、広島の原爆慰霊碑の設計(広島県議会は日系アメリカ人という理由でイサム・ノグチの設計を拒否する)、照明デザイン等々と思い浮かぶ。現在、「イサム・ノグチ」が宮本亜門の演出で、舞台上演されている。

iSAMU〜20世紀を生きた芸術家 イサム・ノグチをめぐる3つの物語〜
【横浜公演】KAAT(神奈川芸術劇場) 2013年08月15日(木)~2013年08月18日(日) 
【東京公演】パルコ劇場 2013年8月21日 (水) ~2013年8月27日 (火)
【高松公演】サンポートホール高松 2013年8月30日(金)

原案・演出:宮本亜門
出演:窪塚洋介、美波、ジュリー・ドレフュス、小島聖、大森博史、ボブ・ワーリー、犬飼若博、神農直隆、植田真介、天正彩、池袋遥輝 他

 イサム・ノグチ。20世紀の訪れととともにこの世に生を受け、二つの戦争と時代の変貌の中を生きた彫刻家。 彼の人生は日本人の父とアメリカ人の母のもとに生まれ、二つの国の狭間で葛藤しながら生き、「創る」、あるいは「創り続ける」ことによって自分自身の存在意義を見いだした一人の男である。

 では、なぜ彼は創り続けたのか?
 これまで演出家・宮本亜門が「イサム・ノグチ」を舞台化するにあたり、2011年から、その創作は始まった。様々なアプローチで「イサム・ノグチ」をどう描けばよいのか、試行錯誤を繰り返してきた。それは彼の思考があまりにも壮大さゆえのジレンマでもあった。その試行錯誤の末、見いだした「イサム・ノグチ」がこの本公演で結実する。イサム・ノグチという存在はもしかしたら、そんな簡単に理解できる存在ではないかもしれない。しかし、彼が目指したビジョンはもしかしたら私たちの中に常に在り、私たちが欲しているものと同じかもしれない。 多くの人、社会と関わり、影響しあい変化するのが私たちの人生だとするならば、その出合いは人生が変わる瞬間、あるいは変わった瞬間だったかもしれない。 彼の人生も多くの人と出合い、影響しあい、あるときは響きあい、あるときは不協和音となる。イサム・ノグチが発したさまざま人生の音色を紡ぎながら、この舞台は流れて行く。イサム・ノグチ役には、その独特な存在感で常に舞台、映画で、観客の脳裏にその姿を刻み込む窪塚洋介が演じる。

Isamu

イサム・ノグチをめぐる3つのストーリー、そして3人の女性。
日本人の父とアメリカ人の母の間に生まれ、波乱万丈の人生を歩んだ芸術家、イサム・ノグチ。その人生の幾つかの断片と、現代のニューヨークでイサムの作品に触れる人々の物語を交錯させながら、イサム・ノグチの人物像と、その芸術の根底に流れる原泉を探る物語。
物語は3つのストーリーの断片が組み合わされながら進行する。

◆幼少のイサム レオニー・ギルモア(ジュリー・ドレフュス)とイサム
1910年代。第一次世界大戦最中。
イサムは二歳の時に母・レオニーに連れられて日本の土を踏み、以後、13歳になるまで日本で育つ。
日本人である父・野口米次郎はすでに別の女性と結婚しており、イサム母子の来日を歓迎してはいない。
孤独の中でイサムを育てるレオニー。そんな生活の中で、イサムは母の影響を受け、芸術家への第一歩を踏み出していた。
イサムの原風景となった子供時代の記憶の断片を、幻想的なイメージで描く。

◆そして日本へ 山口淑子(美波)とイサム
1950年代前半。第二次世界大戦後の復興中の日本
芸術家として一定の成功を収めたイサム・ノグチの人生は、ひとつのピークを迎えつつあった。
私生活においては戦前に「李香蘭」の名で知られた女優・山口淑子と結婚。
広島の原爆慰霊碑のデザインという彼にとって意義深い仕事を手がけることにもなり、これまで自分の居場所というものを持てずにいたイサムは、遂に安住の場所を見つけたかに思える。
だがそんな時期は長くは続かず、結局多くのものを失ったイサムは、やがて新たな芸術に向かって再び邁進していく。

◆レッドキューブ 一人の日本人女性(小島聖)とイサム
現代 9.11以降のニューヨーク
証券会社に務めるひとりの日本女性を中心に物語は進む。
9.11で父親を失っている彼女は、予期せぬ妊娠という事実に直面して不安定な状態にあった。仕事一辺倒だった父に対する愛憎、異国で仕事に邁進する日々の中で抱える孤独感……。夫は誠実な男性だが、彼女の苦しみを和らげることは出来ない。
そんなある日、彼女はこれまで目に留めることのなかったイサム・ノグチの作品――ウォール街に設置された「レッド・キューブ」――の存在に気づく。それが何を意味するものなのか、彼女にはわからない。
しかしその作品に込められたイサムの精神は、時空を越えて、彼女の心にささやかな影響を与えるのだった。

2013/08/20

ラテンアメリカアートのイメージとテキスト

YA SE LEER: IMAGEN Y TEXTO EN EL ARTE LATINOAMERICANO.
Castro, Elvia Rosa
2011, La Habana, Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam; Galería de la Biblioteca Rubén Martínez Villena,  22cm, 109p., b/w and color plates, ports., facs., cat., visual poetry, color pict. wrps 展覧会図録 8,140円

Collective exhibition of the artwork of 100 Latin American artists created since 1975. The event was based on the museographic idea of curator and art historian Elvia Rosa Castro, who focused the exhibition on the conceptual art representations of the complex relationship between image and text. The selection included works from the holdings of Casa de las Américas, Museo Nacional de Bellas Artes, other private and public collections of works by important names like: Wesley Duke Lee, Clemente Padín, León Ferrari, José Bedia, Luis Camnitzer, Liliana Porter, Alfredo Sosabravo, Nelson Leirner, Carlos Montes de Oca, Luc Chesseux, Antonio Eligio Fernandez (Tonel), Carlos Garaicoa, Yornel Martínez, Iván Capote, Fayad Jamís, Roberto Diago, Umberto Peña, amongst others.
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展覧会リリース
「ya_se_leer_bogota_perfil.pdf」をダウンロード
Sandra Montenegro Contemporay Art Galleryより

2013/08/17

Mexican Art メキシコ美術

1. ANGELINA BELOFF. TRAZOS DE UNA VIDA.
アンヘリーナ・ベロフ 人生の軌跡

México D.F.: INBA, 2012. 1st ed., 4to, wrps, 157 p., semi glossy stock, facsimile, illus., b/w photos. Paperback. New. 展覧会図録(2012, Museo de Mural Diego Rivera, México) 14,110円

Angelina Beloff se desarrolló como retratista, paisajista, educadora, grabadora, ilustradora, escenógrafa y titiritera; sin embargo, como muchas de sus contempóraneas, supeditó su creación artística a la de su pareja sentimental y se le ha ubicado como la "mujer detrás del genio". Tan ligada está la vida y obra de la artista nacida en San Petersburgo al muralista mexicano Diego Rivera (quien fuera su primer esposo (1911-1921) y padre del hijo que tuvieron juntos (muerto en 1919), que la exposición "Angelina Beloff. Trazos de una vida", la más completa de su obra, se expuso en el Museo Mural Diego Rivera. La muestra reunio 90 piezas: óleos, acuarelas, grabados, fotografías, impresos, títeres, gouaches y dibujo; ejercicios de imaginación, realidad y cultura, de gran equilibro entre el instinto y la razón, que van de su incursión en el arte a edad temprana, a su etapa de consolidación y a sus años de estancia en México.

2. Aquino Casas, Arnulfo. IMÁGENES DE REBELIÓN Y RESISTENCIA. OAXACA 2006.
反乱と抵抗 オアハカ 2006

México D.F.: Centro Nacional de Investigacion, Documentacion e Informacion de Artes Plasticas, 2011. 1st ed.  8vo, wrps, 285 p., semi glossy stock, illus., photos, b/w photos. Paperback. New. 15,650円

Este libro aborda el conexto y concepto de estenciles, punturas, grafitis, carteles, camisetas, fotografias y otros medios surgidos en el movimiento politico social oaxaqueño.
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3. Aquino Casas, Arnulfo. IMÁGENES ÉPICAS EN EL MÉXICO CONTEMPORANEO. DE LA GRÁFICA AL GRAFITI 1968-2011.
現代メキシコ グラフィカからグラフィティへ 1968-2011

México D.F.: The author / Centro Nacional de Investigacion, Documentalcion e Informacion de Artes Plasticas / Instituto Nacional de Bella Artes y Literatura, 2011. 1st ed.  8vo, wrps, 287 p., semi glossy stock, bibl., illus., photos facsimile. Paperback. New.
14.110円

El autor ha reunido desde los años 60 un gran archivo que en un principio daba cuenta de la gráfica en torno del Movimiento Estudiantil del 68. A esos primeros materiales se fueron sumando carteles de las universidades de Puebla, Sinaloa y Oaxaca, más adelante integró materiales del grupo Mira (1977), que realizó proyectos como el Comunicado Gráfico número 1 sobre la violencia en la ciudad de México, y después propuesta de otros colectivos, a lo largo de los años 80. Los materiales contenidos dan cuenta de expresiones, eventos, proyectos, movimientos, elecciones, fraudes, agrupaciones. “Las llamo imágenes épicas; implican gráfica política, imagen de luchas, que ahora es street art. En momentos políticos ha surgido esta expresión, la gente sale a la calle a manifestarse con mantas, monigotes”. Arnulfo Aquino
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4. Aridjis, Homero (escritor); Toledo, Francisco (ilustrador). TIEMPO DE ÁNGELES = A TIME OF ANGELS.
天使の時代

George McWhirter version en ingles / english version. México D.F.: Fondo de Cultura Econonómica / City Lights, 2012. Cuarta Edición Bilingüe. Oblong 8vo, wrps, 122 p., illus. Paperback. New. 9,480円

Este libro es un testimonio del reino intangible de lo angélico en medio de las ruinas milenaristas. El poeta da fe del silencio elocuente de los ángeles como un signo de esperanza y atisba su presencia como la promesa de una luz perdurable. En la presente edición, esta fábula se acompaña de deslumbrantes grabados originales del artista plástico juchiteco Francisco Toledo.
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5. Ariño, Juan (Diseño y dirección del montaje). MANUEL ÁLVAREZ BRAVO.
マヌアル・アルバレス・ブラボ

Madrid: Ministerio de Cultura, Direccion General de Bellas Artes y Archivos, 1985. 1st ed. 4to, bds, 167 p., b/w photos, chronology. Corners bumped.
Shelf wear along edges. Pages clean and free of marks. Hardcover. Fine.
Also included is an edition published concurrently by the Bellas Artes of "Muerte Sin Fin" (1939) by Jose Gorostiza. 20,280円

Manuel Álvarez Bravo (February 4, 1902 – October 19, 2002) was Mexico’s first principle artistic photographer and is the most important figure in 20th century Latin American photography. He was born and raised in Mexico City. While he took art classes at the Academy of San Carlos, his photography is self taught. His career spanned from the late
1920s to the 1990s with is artistic peak between the 1920s to the 1950s. His hallmark as a photographer was to capture images of the ordinary but in ironic or surrealistic ways. His early work was based on European influences, but he was soon influenced by the Mexican muralism movement and the general cultural and political push at the time to redefine Mexican identity. He rejected the picturesque, employing elements to avoid stereotyping. Over his career he had numerous exhibitions of his work, worked in the Mexican cinema and established Fondo Editorial de la Plástica Mexicana publishing house. He won numerous awards for his work, mostly after 1970.


6. ARTE INDÍGENA Y DIÁLOGO CULTURAL. LA INDÍGENA Y LA REVOLUCIÓN MEXICANA DESDE LA MEMORIA ESTÉTICA.
インディヘナアート インディヘナとメキシコ革命

México D.F.: CONACULTA (Cultura Indígena), 2011. 1st ed.  8vo, wrps, 174 p., semi glossy stock, bibl., notes, photos, illus. Paperback. New. 7,940円

Este coloquio, organizado por la Dirección General de Culturas Populares del Conaculta, el Centro de Cooperación Regional para la Educación de Adultos en América Latina y el Caribe (Crefal), así como por los gobiernos de Michoacán y el del H. Ayuntamiento de Pátzcuaro, convocó a intelectuales y artistas indígenas de Baja California, Campeche, Chiapas, Chihuahua, Durango, Guanajuato, Guerrero, Hidalgo, Jalisco, México, Morelos, Oaxaca, Puebla, Querétaro, Quintana Roo, San Luis Potosí, Sinaloa, Sonora, Tabasco, Tlaxcala, Veracruz, Yucatán y del propio estado sede, para reflexionar, desde una perspectiva histórica y contemporánea, sobre la vigencia del arte indígena. Algunos delos articulos aqui presentes, son: Los universos sonoros en las culturas de Mexico por Gonzalo Camacho Diaz; Pintura-escritura en el siglo XV: Los indigenas creadores en el nuevo mundo por Diana Magaloni Kerpel; Arte indigena en el discurso nacional por Miguel Olmos Aguilera; Poetica y politica: Los corridos zapatistas por Catherine Heau Lambert; etc.

7. ARTE POPULAR GUANAJUATENSE. CON LA TRADICIÓN ENTRE LAS MANOS. Guanajuato: Ediciones la Rana
グアナフアートのポピュラーアート

(Coleccion Arte y Culturas Populares de Guanajuato, No 7), 2012. Primera edición en la colección en Arte y Culturas Populares de Guanajuato.  4to, bds, 455 p., semi glossy stock, 2 end sheets, photos, bibl., notes, illus. Hardcover. New.  11,020円

Arte popular guanajuatense. Con la tradición en las manos es un texto en el que se hace un recorrido por las diversas formas de creación tradicional que existen en Guanajuato. Encontramos nombres, personas, historias que nos hacen pensar que por muchos años más veremos en cada rincón de nuestro estado un reflejo de nosotros mismos, y que
encontraremos piezas que nos recuerden lo que somos, a lo que pertenecemos, que la sustancia de nuestra belleza es el origen común: nuestra tierra, y que lo recordaremos todos los días porque hay creadores que trabajan largas jornadas con el corazón, el alma y las manos; y estaremos tranquilos porque sabremos que ellos son los guardianes de nuestras tradiciones.
Arte_popular_guanajuatense

8. Benítez Carrillo, Maira Mayola. GABRIEL VARGAS, CRONISTA GRÁFICO.
ガブリエル・バルガス グラフィックコラムニスト

Pachuca, Hidalgo: Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, 2010. First edition. v; 228p., color photos, illus., facsimiles, bibl., wrps, 4to. Paperback. New. 12,570円

Explores the life and works of internationally acclaimed Mexican painter, artist and cartoonist, Gabriel Bernal Vargas, (1915-2010). "His comic strip La Familia Burrón was created in 1937. This cartoon has been described as one of the most important in Mexican popular culture. Vargas won Mexico's 'Premio Nacional de Periodismo' (National
Journalism Prize) in 1983 and the 'Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Tradiciones Populares' (National Sciences and Arts Prize) in 2003". Features numeorus samples of works and period photos of biographical interest throughout. Printed on semi-glossy coated stock.
Gabrielvargascronistagrafico

9. de Antuñano Maurer, Alejandro (ed.). MIGUEL ALEMAN. Cartones y caricaturas.
ミゲル・アレマン マンガとカリカチュア

Mexico, D.F.: Fundacion Miguel Aleman, 2013. First edition. 270 p., color plates, photos, wrps., tall oversized. Paperback. New. 12,570円

Political and satirical cartoons that appeared in print during the presidency of Miguel Aleman, 1946-1952 as well as his governorship of Veracruz before that.
Miguelalemancartonesycaricaturas

10. del Castillo Troncoso, Alberto. LA FOTOGRAFÍA Y LA CONSTRUCCIÓN DE UN IMAGINARIO. ENSAYO SOBRE EL MOVIMIENTO ESTUDIANTIL DE 1968.
写真とイメージの構築 1968年の学生運動

México D.F.: Instituto de Investigaciones Dr. José Luis Mora / UNAM, 2012. 1st ed. 4to, wrps, 331 p., semi glossy stock, index, notes, b/w photos, facsimile,
graphs. Paperback. New. 14,110円

En esta investigación se vuelven a narrar los episodios del movimiento estudiantil de 1968, pero ahora desde una perspectiva muy distinta, que tiene que ver con el uso y la manipulación de las fotografías que han construido uno de los imaginarios culturales más relevantes de nuestro país en las últimas cuatro décadas. De esta manera, el autor
analiza las fotos publicadas en la coyuntura misma del 68 en los distintos diarios y revistas, las imágenes no publicadas. debido a la censura y la autocensura de los medios, las imágenes procedentes de los archivos de extraordinarios fotógrafos independientes como Rodrigo Moya, que guardó celosamente sus negativos todos estos años y finalmente las sorprendentes fotografías de los servicios de inteligencia del Estado mexicano, representados por la Secretaría de Gobernación y el Departamento del Distrito Federal, los cuales desempeñaron un papel importante para fincar responsabilidades legales en contra de los protagonistas del movimiento y ahora constituyen novedosos
registros documentales, con materiales imprescindibles para los interesados en el tema. Con todo ello, el presente trabajo representa una referencia indispensable para el estudio de uno de los capítulos más relevantes de la historia contemporánea de México y América Latina.
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11. Díaz Cayeros, Patricia; Galí Boadella, Monserrat; Krieger, Peter (editores). NOMBRAR Y EXPLICAR. LA TERMINOLOGÍA EN EL ESTUDIO DEL ARTE IBÉRICO Y LATINOAMERICANO.
名付けと解釈 スペイン美術とラテンアメリカ美術の研究における用語

México D.F.: UNAM, 2012. 1st ed. 8vo, wrps, 486 p., notes, b/w photos, facsimile, graphs, tables. Paperback. New. 15,650円

Algunos de los articulos contenidos en esta publicacion, son: Sobre la evolucion de la tecnica de periodizacion en la historia del arte del siglo XIX por Martin Warnke; El manierismo en dos extremos:plateresco y protobarroco por Jorge Alberto Marique; ¿Manierismo en la pintura de los reinos? por Helga von Kugelen; etc.

12. DR. ATL. OBRAS MAESTRAS / MASTERPIECES
ドクトル・アトゥル傑作選

Colección Museo Colección Blaisten. México D.F.: UNAM /Turner, 2012. 1st ed. 4to, bds, 375 p., semi glossy stock, 2 end sheets, dust jacket, illus. Hardcover. New. 13,340円

The Universidad Nacional Autónoma de México is proud to present the catalogue Dr. Atl: Masterpieces, a testimony of the exhibition organized by the Museo Colección Blaisten of the Centro Cultural Universitario Tlatelolco. It is a source of satisfaction for this educational institution to count with a show of such rele-vance that pays homage to a
fundamental artist in the history of Mexican art: Gerardo Murillo, Dr. Atl (1875-1964).
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13. Escalante Aguilar, Leonel; Ruiz González, Kandy (Editores). VALLADOLID IMÁGENES DEL AYER.
ヴァリャドリの昔

Valladolid, Yucatán: Departamento de Patrimonio Cultural / Secretaría de la Cultura y las Artes, 2012. 1st ed. 4to, wrps, 193 p., semi glossy stock, b/w photos. Paperback. New. 9,480円

En las páginas de Valladolid: Imágenes del ayer, observaremos diversos aspectos de la historia reciente de esta ciudad yucateca: perfiles de familias y personalidades, momentos de esparcimiento, actividades culturales y artísticas, equipos y eventos deportivos, rincones de la ciudad, hechos de la historia, política, entre otros aspectos. Cada una de las secciones del libro está precedida por textos escritos por los cronistas de la ciudad Renán Góngora Biachi, Leonel Escalante Aguilar, Néstor Aguilar Pérez y Carlos Alberto Cosgaya Medina. Para la recopilación de imágenes se contócon la colaboración de 29 coleccionistas, quienes generosamente pusieron a disposición de los editores mil 316
fotografías de sus archivos particulares. También se localizaron imágenes de la antigua Zací en el fondo audiovisual del CAIHY. Todas las fotos fueron estabilizadas y digitalizadas para su preservación y eventual difusión.
Valladolidimagenesayer

14. LAS ESCUELAS DE PINTURA AL AIRE LIBRE. TLALPAN.
トゥラルパン野外美術学校

México D.F.: UNAM, 2011. 1st ed. 4to, bds, 157 p., b/w photo, facsimile, illus., app, 2 end sheets. Hardcover. New. 13,340円

Revalorar del papel de las Escuelas de Pintura al Aire Libre de principios del siglo XX y de Francisco Díaz de León, director de la Escuela de Tlalpan, en la creación de un nuevo lenguaje artístico dentro del periodo de renovación mexicano, es el propósito de la exposición Escuelas de Pintura al Aire Libre y este libro homonimo. La muestra está
compuesta por un total de 60 óleos, acuarelas, pasteles, grabados, fotografías, materiales didácticos y diversos impresos, la mayor parte de ellos provenientes del acervo creado por Francisco Díaz de León. Se trata de un recorrido a través de la labor realizada por los fundadores de las EPAL en su paso por Chimalistac, Coyoacán y Churubusco; de
la labor de Díaz de León como alumno y, más tarde, como director de la Escuela de Pintura al Aire Libre de Tlalpan, y de la producción del alumnado de este centro de formación artística.

15. Espinosa Sánchez, Juan Manuel (coord.). ARTE E HISTORIA EN EL SUR COLONIAL DE QUINTANA ROO, SIGLOS XVI-XVIII.

México D.F.: Universidad de Quintana Roo / Plaza y Valdes, 2011. 1st ed. 8vo, wrps, 186 p., maps, photos, bibl., notes, tables. Paperback. New. 6,400円

Los estudios historiográficos en los últimos años sobre el desarrollo del arte colonial e historia novohispana en México han logrado avances significativos en este campo del saber humano, si se toma en cuenta la escasez de investigaciones sobre el arte colonial en el actual Estado de Quintana Roo, por lo que es de suma importancia estudiarlo. Es indudable que el arte colonial en el sur de Quintana Roo se debe estudiar para explicar sus características e influencia del arte románico, el arte gótico y el arte barroco sobrio en la arquitectura, que de manera tardía con respecto a Europa, se implementó en suelo novohispano. En Historia del Arte se puede apreciar la diversidad de elementos arquitectónicos como iglesias, que son diferentes a las de Yucatán. Un ejemplo, la iglesia de Bacalar edificada en la segunda mitad del siglo XVIll, la cual presenta una portada sin torres adosadas a los lados y una bóveda de lanceta, construcción única localizada en la península de Yucatán; la capilla de Oxtankah que presenta un conjunto arquitectónico colonial posiblemente sea de las primeras construcciones religiosas de los franciscanos provenientes de Guatemala y la referida obra arquitectónica religiosa tiene a su alrededor pirámides mayas. Además se localizó un convento comido por la selva y abandonado en Chíchanhá del que hay que rescatar su historia, así como el Fuerte de Bacala, en el sur
de Quintana Roo, que perteneció a una defensa intercontinental del vasto Imperio español, al cual hay que estudiar de manera global y no aislada, porque forma parte de la defensa de todo el litoral del Atlántico del poderoso Imperio español en tierras americanas.
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2013/08/12

AFTER ÁLVAREZ BRAVO. FOTOGRAFÍA MEXICANA AHORITA アルバレス・ブラボ以後のメキシコ写真のいま

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AFTER ÁLVAREZ BRAVO. FOTOGRAFÍA MEXICANA AHORITA

会期 2013年5月1日-9月1日
会場 Museo de América
    Avda Reyes Católicos, 6. 28040 - Madrid, España
    De martes a sábado de 9:30 a 20:30 horas; domingos y festivos de 10:00h a 15:00h. 
         Lunes: cerrado

コミッショナー René Escalante(写真家)

出品作家 Eunice Adorno, Alejandro Cartagena, Alfredo de Stéfano, Alex Dorfsman, Alinka Echeverría, Daniel Edburg, Miguel Fernández, Adela Goldbard, Alejandra Laviada, César López, Roberto Molina Tondopó, Fernando y Gerardo Montiel, Ernesto Muñiz, Javier Ramírez Limón, Gustavo Salinas y el colectivo Diamonds Land, formado por el propio René Escalante y Paolo Tagliolini.

 After Álvarez Bravo》展は、ドキュメンタリー写真の伝統的な形式との断絶が生じた80年代後半から現代までのメキシコ写真の変遷を見せる展覧会です。

La muestra recoge una selección de autores posteriores a las generaciones que se formaron con Manuel Álvarez Bravo, las cuales enriquecieron nuestro modo de percibir el arte de la fotografía.

En el año 1987, en México no existían muchos espacios donde estudiar, donde exhibir, ni donde contemplar exposiciones de fotografía. Por aquellos años se gestaba un movimiento, para mi "underground", hoy llamado "emergente", de fotógrafos que en su propuesta visual entendían la imagen digamos, de forma distinta a nuestros maestros y referentes. En la mayoría de los casos, estos habían sido alumnos directos de Manuel Álvarez Bravo y sus contemporáneos. Aunque a su vez, estos alumnos mantuviesen los preceptos de sus antecesores, llámense inmediatos y referenciales, ellos les otorgaron otra dimensión, ya no sólo al binomio composición-iluminación, sino al ¿Que quieres plasmar?. Es decir la foto intencionada y justificada.

Durante la estancia en México de Edward Weston y Tina Modotti entre otros intelectuales, la fotografía comenzó a percibirse como un lenguaje inherente al ser humano, comprendiendo las ramificaciones y diferencias que aportan las diversas miradas dentro de la totalidad que es el arte fotográfico: el documento del periodismo, la foto de calle, la foto de estudio, la foto preparada, la foto construida, el collage etc.

Con esta base surge la generación de fotógrafos nacidos en los 60 y 70. que se formó a finales de los 80 y 90 en México. Esta, se entiende que fue la "generación olvidada", la de la ruptura con los preceptos anteriores y la de la curiosidad por el experimento, un poco más fuera del preciosismo y más cerca de la abyección, se apartó un poco más del indigenismo y surgieron los espacios alternativos, como escaparates del arte emergente.

Con este proyecto se intentan resumir las visiones de un país que no termina de entenderse entre si, pero en el que confluyen de una manera extraordinaria capacidades de mirar y de comprenderse, independientemente de la generación que sea; al final la educación visual ya sea académica o autodidacta nos lleva por caminos extremadamente parecidos, After Álvarez Bravo provoca, por un lado, un recordatorio esencial en la historia de la fotografía mexicana, y por el otro nos insinúa que el mundo cambia y por lo tanto nuestra manera de ver las cosas que nos rodean.

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