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2012年7月

2012/07/31

Documentário Maria Helena Vieira da Silva

O documentário de Maria Helena Vieira da Silva ( 1908-1992) compõe a série Masterwods transmitida pelo canal TVA de assinaturas no Brasil. Tem a duração de 9 minutos e analisa especialmente o quadro O Desastre, produzido em 1942, pela artista portuguesa, e Tragédia no Mar, de 1944. Ambos foram produzidos no período em que a artista morou no Brasil ( de 1940-1947). O primeiro expressa os horrores da guerra e o segundo, homens e mulheres sendo tragados pelos naufrágios, numa clara referência ao período das descobertas marítimas.
O documentário, dirigido por Reiner Moritz, deixa claro que as principais obras da artista portuguesa foram produzidas durante a sua permanência no Brasil.
O Desastre pertence ao Centro de Arte Moderna de Lisboa.
[YouTube]

2012/07/27

1930年代―生きることの芸術  ヨーロッパ、日本、アメリカ <1930s Art to Live-Europe, Japan, USA>

聴講は事前予約の先着順の為、既に締め切られてる可能性があります。
お知らせのみになることを了解ください。

第38回大原美術館美術講座 <The 38th Lecture Program in Ohara Museum of Art>

1930年代―生きることの芸術  ヨーロッパ、日本、アメリカ
<1930s Art to Live-Europe, Japan, USA>

【日程・講師・演題】

2012年7月28日(土)
午前の部 10:00-11:20
pencil高階秀爾(大原美術館館長)
「グローバル化する世界 動乱・万博・女たち」
午後の部 13:00-14:20
pencil長谷川 章(東京造形大学教授)
「ドイツ近代建築の二重性 身体文化からみた1930年代の都市と建築」
14:30-15:50
pencil柳沢秀行(大原美術館学芸課長)
「閉塞感の中の息吹 30年代日本の前衛絵画 松本竣介に添って」

7月29日(日)  
午前の部 10:00-11:20
pencil加藤 薫(神奈川大学教授)
「越境するメキシコ現代美術 オロスコ、リベラ、シケイロスを中心に」
午後の部 13:00-14:20
pencil田中正之(武蔵野美術大学教授)
「大恐慌以後のアメリカ美術」
14:00-15:30
pencil総合討議
講師全員による総合討議を行います。

【会場】倉敷アイビースクエア(オパールホール)
      岡山県倉敷市本町7-2 (大原美術館より徒歩5分)
      電話 086-422-0011
【定員】300名(うち学生専用シート50名分)
【聴講料】一般 5,000円(大原美術館後援会会員 2,000円)
      学生 1,000円(学生証を提示)

【申し込み方法】電話、E-mail、はがき、FAX

(1)下記宛先に、名前、郵便番号・住所、電話番号(E-mailアドレス)を明記のうえ申し込み。

(2)後日「参加受付通知」が送られてくる。

◎当日会場受付で「参加受付通知」及び聴講料と引き換えに聴講券が渡される。

聴講券は、7月28日~30日の3日間、大原美術館(本館/分館/工芸・東洋館/児島虎次郎記念館)の入館券として利用可能。

◎申し込みを解約される場合は、当日までに電話で連絡。

【申込み・問合せ先】大原美術館

〒710-8575 倉敷市中央1-1-15

TEL 086-422-0005 / FAX 086-427-3677 / koza@ohara.or.jp

チラシPDF 「lecture_program_ohara_museum_of_art.pdf」をダウンロード

2012/07/24

洋才書魂126號≪エル・グレコ≫と追加タイトル 

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「書籍注文について」は上記カタログ14頁をお読みください。

[42]
Tomas Luis de la Victoria y la cultura musical en la España de Felipe III
Tomas_luis_de_victoria_y_la_cultura
Alfonso de Vicente y Pilar Tomás (dirs.)
2012, CEEH y Machado Libros, with the collaboration of the Fundación El Greco 2014.
496 págs., 131 ilustrs. Colección: Los tiempos del Greco
10,230円

En 1600 Tomás Luis de Victoria dedicó una antología de composiciones polifónicas al joven rey Felipe III, entre las cuales figuraba la Missa pro victoria, una misa policoral de batalla, el género musical político-religioso por excelencia. Este hecho sirve de marco a una serie de ensayos en torno a las relaciones entre música religiosa y poder político en tiempos de los Austrias. La cultura musical de la corte de Felipe III –tanto en Madrid como en Valladolid– o de instituciones ligadas a ella como los monasterios de las Descalzas Reales y El Escorial, así como el entorno económico-social o los mecanismos de difusión de la obra de Victoria en la península Ibérica o en las colonias americanas, son objeto de análisis variados que arrojan nueva luz sobre la producción del polifonista castellano y ponen de relieve su singularidad en aquella época.

Si las aportaciones personales e institucionales de Felipe III a la actividad musical cortesana han quedado oscurecidas en la historiografía por la sombra del reinado anterior, lo mismo puede decirse de la figura de Victoria: considerado hoy el más importante compositor español del siglo XVI y memoria sonora de la España del Rey Prudente, produjo sin embargo dos de sus libros más representativos (el citado de 1600 y el Officium defunctorum) ya bajo Felipe III. Situándolo correctamente en su tiempo, este libro traza a la vez la fortuna crítica de este compositor, estudiando la recepción de su música a lo largo de los siglos.

[テレビ放映]
テレビ東京/2012年7月21日(土)夜10時-10時30分
KIRIN~美の巨人たち~ エル・グレコ 「無原罪の御宿り」
エル・グレコ作『無原罪の御宿り』絢爛たる色彩と光の中、天へと上る聖母マリア。しかしその体は奇妙に捩れ、不自然に伸びている。トレドを愛した異邦人の画家がこの絵に託したものとは、一体何か?
El_greco_bi_no_kyojinn_2


[41] EL GRECO : Die Erfindung des Laokoon
Schaffer, Anette
2012年9月刊行予定
9,010円
El_greco_die_erfindung_des_laokoon
Basel: Schwabe, 2012. 28cm., hardcover, ca. 236pp., 60 illus., 1 in color. Summary: Das hauptsächlich in Toledo entstandene Werk des Griechen El Greco (1541–1614) übt auch heute eine ungebrochene Faszination aus. Vielfältige Anregungen der byzantinischen, venezianischen, römischen und spanischen Kunst verarbeitend, gelangte der Maler zu einer einzigartigen Freiheit in Farbgebung, Komposition und Figurenfindung. Im Gemälde Laokoon, das im Mittelpunkt dieser Studie steht, griff El Greco auf ein Motiv zurück, das seit dem aufsehenerregenden Fund der vatikanischen Laokoon-Gruppe im Jahre 1506 grosse Popularität genoss. Im Unterschied zu anderen Künstlern sah der Maler jedoch von einer Übernahme der Komposition des antiken Meisterwerks ab und besetzte die Szene durch eigene Figurenerfindungen. Zudem erscheint im Hintergrund seines Gemäldes anstelle des antiken Troja ein zeitgenössisches Porträt von El Grecos Wahlheimat Toledo. Das Buch zeigt auf, welche künstlerischen und kunsttheoretischen Implikationen mit diesen Verstössen gegen die Tradition verbunden waren. Die Berücksichtigung von El Grecos Kunstkommentaren erlaubt uns, seine persönliche Haltung gegenüber der Antike zu erschliessen. Entgegen bisherigen Interpretationen des Bildes, die zumeist von der theologischen Lehre der Gegenreformation als zentralem Referenzrahmen ausgingen, wird hier nach dem Erfindungspotenzial des Künstlers im Zusammenhang mit historischen Konzepten der Novitas gefragt. Ein weiteres Kapitel widmet sich dem Problem des Stadtsubstituts. Unter Einbezug der spanischen Historiographie der Frühen Neuzeit lässt sich das Gemälde im damals aktuellen Diskurs um die Identität der Stadt Toledo verorten.

[40] El Greco
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National Gallery London, 2005. Softcover. 320 pages
Museum Exhibition Catalogue.
3,470円 USED
El Greco (1541–1614), born Domenikos Theotokopoulos, was one of the most fascinating and distinctive artists of the sixteenth century. His works are immediately recognizable for their brilliant colors, elongated figures, and spiritual intensity. Initially trained in Crete, in around 1567 El Greco moved to Italy where he purportedly studied with Titian. A decade later he is documented in Toledo (south of Madrid), and he spent the rest of his long life in Spain. His paintings and writings offer a thoughtful, frequently inspired response to the varied environments in which he worked—and they reveal that he was deeply engaged with the religious and artistic thinking of his times.This lavishly illustrated book—the first comprehensive English-language publication on El Greco in many years—addresses the full range of the artist’s work in painting and sculpture, from his Byzantine icons to his late altarpieces. It considers his personality from both a religious and intellectual point of view, and presents the artist’s religious, mythological, genre, landscape, and portrait works, providing the historical context in which they were made.

[39] EL GRECO's Pentecost in a New Context
Author: Kagan, Richard (et al)
El_grecos_pentecost_in_a_new_contex
Dallas: Meadows Museum Southern Methodist University, in association with Museo Nacional del Prado, Madrid, 2010. 30cm., hardcover, 128pp. illus., most in color. Spanish-English text.
7,440円
Includes: R. Kagan "El Greco in Toledo: the Artist’s Clientele," L. Ruiz Gómez "Pentecost in the Altarpiece of the Colegio de Doña María de Aragón: The Synthesis of El Greco’s Final Style," H. Kallendorf "Flaming Tongues: Valences of Pentecost in Early Modern Spain," R. Alonso Alonso "El Greco’s Painting Technique: The Restoration of Pentecost".

[38] Domenikos Theotokopoulos 1900, el Greco
Lavín Berdonces, Ana Carmen
Domenikos_theotokopoulos_1900
2009, T.F. Editores, 180 páginas; 25x19 cm
6,200円 USED
Editado con motivo de la exposición de El Greco 1900 que se le celebra en el Museo del Palacio de Bellas Artes de México (2 sept/2 nov 2009), este catálogo recoge una cuidada selección de las mejores obras que custodia el Museo del Greco de Toledo. La publicación muestra la riqueza de la obra del Greco y su intrínseca relación con la ciudad de Toledo en un momento –el comienzo del siglo XX– en el que el cretense comienza a despertar el interés de estudiosos y marchantes de arte. 1900 marca la fecha simbólica en la que Domenikos Theotokopoulos abandona el letargo en el que había estado sumido durante tres siglos para pasar a ser encumbrado entre los genios de la pintura universal. Creta, Venecia y Roma, lugares del sol, del arte y del mito, acompañan a Toledo en la peripecia vital y artística de pintor de finales del siglo XVI, quien llega a España en 1577 y crea su estilo propio e inconfundible.

[37] EL GRECO
XAVIER BRAY, CHRONOLOGY BY LOIS OLIVER
El_greco_national_gallery
2004, THE NATIONAL GALERY (Yale University Press), 46pp.
3,560円 USED
In the fall of 2003, a highly acclaimed exhibition of works by El Greco (1541—1614) was on view at The Metropolitan Museum of Art. The show's next venue is the National Gallery, London. As this book and the landmark exhibition demonstrate, El Greco is of perennial interest to museum audiences and the general public. He was a fascinating and esteemed artist in his own time, but for nearly four hundred years he was derided, misunderstood, or simply forgotten. The book follows El Greco from his native island of Crete to Venice, Rome, Madrid, and then Toledo, the ecclesiastical capital of Spain. The artist's unique ability to assimilate different artistic techniques and approaches to religion and philosophy enabled him to develop one of the most original styles of painting in the history of European art. Despite his highly successful career, El Greco was unappreciated for centuries after his death, and the book examines how his genius came to light again in the nineteenth century. For those looking for an excellent introduction to the life and work of this great artist, El Greco is a perfect choice.

[36] The origins of el Greco icon painting in Venetian Crete
Editor : Drandaki, Anastasia
Origins_of_el_greco_icon_painting_i 
2010, New York,  Onassis Foundation
25 cm, 131pp.
2,880円
The Origins of El Greco focuses on the evolution of the multifaceted relationship of Cretan painters with Western art during this rich period. The icon painters in the workshops on Crete in the 15th and 16th centuries - the setting in which El Greco was trained - were renowned for their skill in painting impeccable panels not only in the traditional Byzantine manner but also in a style inspired by Western models. The Origins of El Greco presents an extraordinary group of 15th and 16th-century paintings, including works by El Greco. The color-illustrated catalogue features detailed descriptions of all 46 masterpieces included in the exhibition, some of them published for the first time, as well as 3 informative essays: Anastasia Drandaki, Curator, Byzantine Collection, Benaki Museum, Athens writes on "Between Byzantium and Venice: Icon Painting in Venetian Crete in the Fifteenth and Sixteenth Centuries"; Olga Gratziou, Professor of Byzantine Art and Archaeology, University of Crete writes on "Cretan Architecture and Sculpture in the Venetian Period"; Nicos Hadjinicolaou, Professor Emeritus in Art History, University of Crete, and Honorary Fellow of the Institute for Mediterranean Studies, writes on "Early and Late El Greco".

2012/07/23

洋才書魂 127號 Maria Helena Vieira da Silva+ポルトガル美術 追加タイトル


127maria_helena_vieira_da_silva_a_2 

書籍注文については、上記カタログの16頁をご覧ください。

[37]
Art and Patronage in Eighteenth-Century Portugal.
Delaforce, Angela
2002, Cambridge University Press. xxvii, 504 p., [24] p. of plates
11.25 H x  1.50 D x  9.00 W inches  5.10 lbs.
23,730円から
Art_and_patronage_in_18th_century_p
This important contribution to eighteenth-century European studies is the first to explore the relationships between artists, patrons and connoisseurs in Portugal in the period. Angela Delaforce describes the splendor and magnificent ceremonial of the court of the Braganca monarch, Dom Joao V, adorned with works of art he commissioned from the leading masters in Italy and France and made possible by the fabulous wealth arriving from colonial Brazil. The author has gathered together a wealth of previously unpublished archival material discovered in Portugal and Italy to trace the development of these fascinating patterns of international patronage.

Booknews
In this substantial tome, Delaforce (a museum consultant and one of the editors of the ) focuses on patterns of collecting and patronage, with the royal family and major churches being the key players. The close interaction of Portugal with religious and artistic trends in Italy is a main theme. Among the topics included are the architectural and artistic policies of Dom Joao V, his political relations with Pope Clement XI and Rome, the commissions for the palace chapel, the building of the church complex at Mafra, and an assessment of the losses to art collections caused by the earthquake of 1755. Annotation c. Book News, Inc., Portland, OR (booknews.com)

[36]
Museu Nacional De Arte Antiga: Domingos Antonio De Sequeira Desenhos
Beaumont, Maria Alice Mourisca
Museu_nacional_de_arte_antiga_domin

1975, Instituto De Alta Cultura, Lisboa
Hardback with dust-wrapper. Text in Spanish. 286pp. Frontis. Illus. Loss to front of d/w. Creasing and tears to d/w. Foredge a little grubby.
11,960円より

Domingos António de Sequeira (Lisboa, 10 de Março de 1768 — Roma, 8 de Março de 1837) foi um pintor português.
De origem modesta, foi educado na Casa Pia de Lisboa, após o quê frequentou o curso de Desenho e Figura na Aula Régia e trabalhou como decorador. Com uma pensão de D. Maria I, em 1788, partiu para Itália e estudou na Academia Portuguesa em Roma, onde recebeu aulas de António Cavallucci.
Admitido, depois, na Academia di San Luca, aí pintou a Degolação de São João Baptista, a Alegoria à Casa Pia e a Aparição de Cristo a D. Afonso Henriques.
Regressou a Lisboa em 1795 e de 1798 a 1801 viveu no Convento da Cartuxa de Laveiras.
Nomeado pintor da corte em 1802 e co-director da empreitada de pintura do Palácio da Ajuda, aí pintou abundantemente. Em 1803 foi professor de Desenho e Pintura das princesas, e em 1806, director da aula de Desenho no Porto. Neste período pintou alegorias patrióticas e retratos, fazendo o desenho das peças para oferecer a Beresford.
Viveu intensamente as convulsões políticas da época — foi, sucessivamente, partidário do exército de invasão francês (Junot protegendo Lisboa, 1808), da aliança inglesa (Apoteose de Wellington, 1811), da revolução liberal (retratos de 33 deputados, 1821) e da Carta Constitucional (D. Pedro IV e Maria II, 1825), exilando-se em França com a contra-revolução absolutista da Vila-Francada, onde expôs, no Salão do Louvre, A Morte de Camões (quadro desaparecido no Brasil), obra que lhe mereceu medalha de ouro e colocação entre os pintores românticos mais representativos, ao lado de Eugène Delacroix.

[35]
Portuguese Modernisms
Multiple Perspectives on Literature and the Visual Arts
Edited by Steffen Dix and Jerónimo Pizarro

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2011, Oxford, Legenda. xviii, 388 p. : 10.25 H x  1.00 D x  7.25 W inches  2.10 lbs.
9,660円
For a more encompassing and stimulating picture of Modernism – seen as a movement of the 20th century, a broad spectrum of work across many countries – we must explore not only its external diversity but also its internal plurality. Portuguese Modernism manifested itself both in visual art and in literature. But at the same time it is important to acknowledge the centrality of Modernism’s contribution to this time of profound cultural change. Indeed, the socio-cultural transformations marking the early twentieth century in Portugal still endure today. This volume provides a critical guide for students and teachers, contributed by an array of scholars with unparalleled knowledge of the period, its artists and its writers.

Steffen Dix is Research Fellow at the Institute of Social Science, University of Lisbon; Jerónimo Pizarro is Research Fellow at the Linguistics Centre, University of Lisbon.

Arte y política en España : 1898-1939 <スペインの美術と政治 1898-1939>

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Arte y política en España : 1898-1939
Coordinación: Isabel García García y Javier Pérez Segura
Coordinación editorial: Junta de Andalucía. Consejería de Cultura. Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico
Editan: Junta de Andalucía. Consejería de Cultura. Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico y Editorial Comares
2002.  151pp.
3,760円より

Algunas de las propuestas historiográficas que propugnaban por disociar la cultura artística de su sustrato político venían impulsadas, a veces, por un rechazo visceral hacia las orientaciones marxistas de una buena parte de los historiadores del arte de los años 60 y 70. Ello trajo consigo el abandono del compromiso político del arte, que persistió hasta los 80 y que aún sigue siendo una cuenta pendiente. Los trabajos aquí reunidos pretenden contribuir a reparar esta fractura hitorigráfica.

2012/07/20

修道院のお菓子 スペイン修道女のレシピ 

素朴でかわいい修道院のお菓子、50品

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修道院のお菓子 スペイン修道女のレシピ
丸山久美 著
出版社:地球丸
B5判 96ページ
ISBN:978-4-86067-341-3
発売日:2012年5月30日
定価:1,470円(税込)

 厳しい戒律のもと、つつましく暮らす修道女たち。国民の9割以上がカトリックというスペインの修道院では、中世の時代から、お菓子づくりのレシピを大切に守りつづけています。材料が豊富にはない時代に生まれたレシピなので、つくり方はとてもシンプルですが、しみじみおいしくて、どこかほっとする味わいです。(出版社サイトより)

≪著者プロフィール≫
丸山久美(まるやま・くみ)
料理家。東京生まれ。スペイン家庭料理教室「Mi Mesa」主宰。アメリカ留学後、ツアーコンダクターとして世界各地をまわる。1986年からスペインのマドリードに14年滞在。現地の料理教室に通いながら、家庭料理を学ぶ。この間に、修道院めぐりを始める。帰国後、スペインの家庭料理をベースにしたレシピを紹介。著書に『家庭でつくれるスペイン料理』(河出書房新社)、『週末はパエリャ名人』『スペインから届いた、ほっとやさしいレシピ』(ともに文化出版局)など。

≪本書の内容≫

目次

はじめに

スペインの修道院について

第1章 春から夏へ

クレマ・カタラーナ

聖クララのドーナツ

揚げドーナツ

さつまいものパイ

トリハス

揚げミルク

いちごのミント風味のジャム

にんじんのジャム

さくらんぼのコカと聖ヨハネのコカ

オレンジのシャーベット

レモンクリーム

ヨーグルト・ムース

column1 「トルノ」について

第2章 秋から冬へ

ブニュエロ

パネジェッツ

聖人の骨

ペスティーニョ

ポルボロン

チョコポルボロン

クリスマスの小さなパイ

マルケッサ

マサパン

トゥロン

おばあちゃんのトゥロン

くるみの甘いスープ

干しいちじくのお菓子

りんごのオーブン焼き

干し果物のコンポート

王様たちのケーキ

column2 修道院で買えるもの

第3章 修道女の伝統菓子

サンティアゴのケーキ
Pastel_de_santiago


生クリームのビスコッチョ

アーモンドの砂糖がけ

ケサーダ

トシーノ・デ・シエロ

ジェマス

トリュフ・チョコレート

へーゼルナッツ・チョコレート

聖マルコスのケーキ

ロールケーキ

column3 修道院のかわいいお菓子箱

第4章 修道女のいつものお菓子

りんごのケーキ

ビスケットのケーキ

アーモンドクッキー

ココナッツクッキー

チョコレートケーキ

くるみのパウンドケーキ

しぼりクッキー

プリン

マグダレーナ

バナナチョコレートのスプレッド

りんごのフリッター

くるみのお菓子

修道院紹介

2012/07/08

Genealogías feministas en el arte español: 1960-2010 [スペインアートにおける女性たちの系譜 1960-2010]

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Image credit:Fina Miralles
Petjades, acción realizada en Sabadell en enero de 1976 1976
B/W video with sound
10’
Courtesy Ajuntament de Sabadell, Museu d’Art de Sabadell

Genealogías feministas en el arte español: 1960-2010
Fechas: Del 23 de junio de 2012 al 6 de enero de 2013
Lugar: Salas 3 a 6 del MUSAC(Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León), León, España

Comisarios: Juan Vicente Aliaga y Patricia Mayayo
Coordinación: Koré Escobar y Carlos Ordás
Asistentes de coordinación: Lidia González Alija, Josefina Manzanal Manrique
Documentación: Raquel Álvarez, Araceli Corbo, Lidia González Alija, Josefina Manzanal Manrique
Web: Araceli Corbo, Raquel Álvarez

Artistas: Pilar Albarracín, Xoán Anleo/Uqui Permui, Pilar Aymerich, Eugènia Balcells, Cecilia Barriga, María José Belbel, Miguel Benlloch, Itziar Bilbao Urrutia, Esther Boix, Cabello/Carceller, Mónica Cabo, Mar Caldas, Carmen Calvo, Nuria Canal, Anxela Caramés/Carme Nogueira/Uqui Permui, Ana Casas Broda, Castorina, Mari Chordà, Montse Clavé, María Antonia Dans, Lucía Egaña Rojas , Itziar Elejalde, Equipo Butifarra, Erreakzioa-Reacción, Eulàlia (Eulàlia Grau) , Esther Ferrer, Alicia Framis, Carmela García, Ángela García Codoñer, María Gómez, Miguel Gómez/Javier Utray, Marisa González, Gabriela y Sally Gutiérrez Dewar , Yolanda Herranz, Juan Hidalgo, ideadestroyingmuros, María Llopis/Girlswholikeporno, Eva Lootz, LSD, Cristina Lucas, Jesús Martínez Oliva, Chelo Matesanz, Medeak , Miralda, Fina Miralles, Mau Monleón, Begoña Montalbán , Paz Muro, Paloma Navares, Ana Navarrete, Carmen Navarrete, Marina Núñez, Itziar Okariz, Isabel Oliver, O.R.G.I.A, Carlos Pazos, Uqui Permui, Ana Peters, Olga L. Pijoan, Núria Pompeia, Post-Op, Precarias a la deriva, Joan Rabascall , Amèlia Riera , Elena del Rivero, María Ruido, Estibaliz Sadaba, Simeón Saiz Ruiz, Dorothée Selz, Carmen F. Sigler, Diana J. Torres AKA Pornoterrorista, Laura Torrado, Eulàlia Valldosera, Video-Nou/José Pérez Ocaña, Azucena Vieites, Virginia Villaplana, Isabel Villar.

Objetivo
La exposición se propone trazar una genealogía o genealogías del arte feminista y queer en España desde finales de los sesenta hasta nuestro días. Se trata de llevar a cabo una relectura del pasado que restaure la memoria borrada de las prácticas de género en nuestro país. Esto implica una doble operación: por una parte, recuperar artistas poco estudiadas/os u olvidadas/os; pero sobre todo revisar el arte español contemporáneo en clave feminista (artistas que han sido leídas por la crítica como “sociológicas” o “políticas” obviando el contenido feminista de sus obras).

Introducción
En febrero de 2004, Juan Vicente Aliaga publicaba en la Revista de Occidente un artículo titulado “La memoria corta: arte y género”, en el que subrayaba la escasísima atención que han recibido las prácticas artísticas feministas en la historiografía del arte español. Mientras que en el ámbito anglosajón existe ya —como ponía de manifiesto, por ejemplo, el número especial “Feminism & Art” que publicó la revista Artforum en octubre de 2003— una historia oficial del arte feminista angloamericano que quizá sea necesario revisar o cuestionar, en nuestro país parece difícil poner en duda el relato hegemónico simplemente porque tal relato no existe: “Resulta a todas luces complicado convertir en discurso anclado en la historia del arte lo que todavía no ha sido estudiado, o al menos no lo ha sido de manera suficiente” —escribía Aliaga. ¿Cuál es la versión canónica a la que hay que oponerse en lo tocante al feminismo y el arte en España? No la hay. ¿Con qué historiografía se cuenta? ¿Cuántos textos, catálogos o libros se han publicado sobre el impacto del feminismo y los valores de género en el arte español contemporáneo? La cosecha es escasa: se pueden contar con los dedos de una mano”.

Desde la aparición del artículo de la Revista de Occidente, han ido surgiendo algunos tímidos intentos de colmar este vacío: en el verano de 2004 el propio Aliaga proponía un breve repaso de la historia del arte feminista español en un texto, “Historias invertebradas. Notas sobre la representación de las problemáticas de género en las prácticas artísticas europeas. El caso español (1970-2000)”, publicado con ocasión de la retrospectiva de Nancy Spero celebrada en el CGAC; en 2005 Carmen Navarrete, María Ruido y Fefa Vila dedicaban un capítulo a las prácticas feministas y queer en España en el segundo volumen del proyecto Desacuerdos. Sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado español; y en mayo de ese mismo año la revista EXITEXPRESS consagraba un dossier monográfico al tema “Mujeres, arte, feminismo”, en el que se revisaba la situación española; en 2009 y 2010 Patricia Mayayo publicaba asimismo algunos textos en los que volvía sobre la necesidad de estudiar el legado feminista en España. Todos estos ensayos no dejan de ser, sin embargo, sino aproximaciones parciales y fragmentarias, primeros esbozos de una investigación profunda y exhaustiva que todavía está por desarrollar.

Por otra parte, algunas de las ideas que se han ido avanzando en estas aportaciones quizá deban ser matizadas. En su texto de Desacuerdos, Carmen Navarrete, María Ruido y Fefa Vila coinciden en señalar el principio de la década de los noventa como el momento en el que surge en España la primera hornada numéricamente significativa de artistas con un programa feminista explícito y consciente: “[Podría decirse que] las mujeres nacidas entre mediados de los sesenta y principios de los setenta conformamos el primer grupo de artistas y teóricas feministas dentro del Estado Español, debido a una serie de factores (económicos, sociales, políticos, educativos…), que confluyen en [la eclosión] de esa generación de los noventa”. Independientemente de que pueda establecerse una frontera generacional precisa (lo que, en términos históricos, resulta siempre complicado), parece claro que a principios de la década de 1990 se estaba produciendo un cambio en el panorama artístico español: en torno a 1992 tienen lugar las primeras exposiciones individuales de artistas próximas a los planteamientos feministas como Begoña Montalbán, Marina Nuñez, Carmen Navarrete o Eulàlia Valldosera; asimismo, en 1993 se celebra la primera exposición feminista de nuestro país, 100%, comisariada por Mar Villaespesa (cuyo título era una alusión provocadora a la cuota de representación femenina del 25% aprobada por el PSOE en su XXI Congreso de 1988); y es también en la primera mitad de los noventa cuando se fundan colectivos artísticos inspirados por el activismo feminista y queer como LSD en Madrid o Erreakzioa-Reacción en Euskadi.

Lo curioso, sin embargo, es que esta “generación de los noventa” (si adoptamos la fórmula de Navarrete, Ruido y Vila) parezca haber surgido en cierto modo, de la nada. ¿Cuáles son sus orígenes históricos? ¿Dónde están sus predecesoras y predecesores? ¿Cuáles son sus puntos de referencia, sus modelos? En mayo de 2005, la revista ExitExpress publicaba un dossier monográfico titulado “Mujeres, arte y feminismo”, en el que se incluía una encuesta realizada a varias artistas españolas. Una de las preguntas planteadas era: “¿Cuál ha sido la repercusión de las artistas feministas de los setenta?” Si bien la mayor parte de las encuestadas reconocía el impacto que había tenido en su obra el legado de los setenta, todas citaban invariablemente a creadoras extranjeras (Annette Messager, Barbara Kruger, Marina Abramovic, Martha Rosler, Ana Mendieta, etc.) cuando se les preguntaba acerca de sus referentes históricos. Las propias Navarrete, Ruido y Vila reconocen que “la información sobre las luchas, resistencias, avatares y logros de las mujeres que nos precedieron ha sido muy desarticulada y confusa” y subrayan cómo el bagaje intelectual de su generación se nutre fundamentalmente de “discursos anglosajones y franceses” .

¿Realmente cabe pensar que antes de los años noventa no existiera en España ninguna artista o grupo de artistas dignos de mención que incorporasen en su trabajo, aunque fuese de forma más intuitiva y menos articulada, una reflexión sobre la identidad de género? ¿Resulta verosímil creer, por ejemplo, que en una década tan politizada como la de los setenta el mundo del arte español pudiera permanecer ajeno a esa revolución que supuso en Occidente el surgimiento del llamado Movimiento de Liberación dela Mujer? ¿O quizá lo que ha ocurrido, en realidad, es que la herencia feminista se ha visto sistemáticamente ignorada en los relatos oficiales sobre la historia reciente del arte en España? Y si ha sido así, ¿Por qué esa invisibilización implacable? ¿Cómo explicar en ese caso la falla genealógica que parece separar a las artistas feministas actuales de sus antecesoras?

(source: genealogiasfeministas)

Summary in English
Feminist Genealogies in Spanish Art: 1960-2010 is a show conceived to emphasize the importance that the discourses on gender and sexual identity have had in Spanish art production since the 1960s. Through more than 150 works by 77 artists, the exhibition curated by Juan Vicente Aliaga and Patricia Mayayo proposes a rereading of our country’s recent art history from new perspectives. The exhibition stems from the need to restore the erased memory of feminist knowledge, practices and genealogies in our country: it is important to recover and make visible the work of artists (some men, but especially women) who were unfairly shunned or forgotten; but it is even more important to reread the recent history of Spanish art from a different stance, with other keys and viewpoints. Not only has the legacy of feminisms been underestimated in the most traditional historiography, but also in many of the accounts of art creation in Spain that are supposed to be more ground-breaking or renovating.

2012/07/07

磯江毅展 [Gustavo Isoe]

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磯江毅展
会場 彩鳳堂画廊
    東京都中央区銀座6-7-7第3岩月ビル3階
    Tel 03-3575-0960
会期 2012年7月4日(水)-31日(火)
    10:00-19:00 土日祝祭日休廊

2012/07/05

El vidrio en la pintura del Museo Nacional del Prado [プラド美術館収蔵絵画の硝子器]

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El vidrio en la pintura del Museo Nacional del Prado
Fernández Navarro, José María/Capel del Águila, Francisco
2012, Madrid. CSIC(Consejo Superior de Investigaciones Científicas)
230pp. 29cm
8,050円

A lo largo de su historia milenaria, el vidrio ha combinado su funcionalidad para multitud de aplicaciones de uso común con su valiosa contribución al desarrollo científico y con su importante papel como material para la creación artística. Ningún otro medio de información mejor que la pintura puede ofrecer un testimonio documental tan fiel de la abundante y diversa presencia del vidrio en la vida cotidiana de cada época. A su fidelidad une el placer de su contemplación artística. Por eso rastrear las huellas que ha dejado el vidrio en la pintura es una fascinante tarea que se convierte en privilegio cuando se tiene la oportunidad de adentrarse en la colección del Museo Nacional del Prado para buscar, entre los más de ocho mil cuadros que componen parte de su tesoro artístico, los diversos objetos de vidrio representados en ellos. Este estudio ha permitido catalogarlos y clasificarlos tipológicamente en tres índices, así como describir sus características, su evolución histórica y su procedencia geográfica.
Con la lectura de esta obra se recorre un camino en el que el guía protagonista es el vidrio bajo las diversas fisonomías de botellas, copas , ventanas, espejos, instrumentos ópticos, objetos de laboratorio, etc.. con que se hace presente en los cuadros. En ocasiones, estas piezas son uno de los motivos de interés principal del cuadro, como ocurre en muchos bodegones; en otras contribuyen a la decoración de la escena o forman parte de ella como elementos arquitectónicos, como sucede con las ventanas y vidrieras.
Pero si la catalogación e indexación de los cuadros encierran el valor de un trabajo paciente y minucioso, el atractivo especial para el lector reside en las magnifica reproducciones de aquellas obras en las que los objetos de vidrio desempeñan un protagonismo principal o constituyen una muestra particularmente ilustrativa de sus peculiaridades más destacables. Junto al largo centenar de cuadros del Museo Nacional del Prado seleccionados para su inclusión en este libro, figura una veintena de cuadros especialmente representativos, guardados en otros museos. Asimismo, se incluyen imágenes de piezas de vidrio originales, pertenecientes a distintos museos y colecciones privadas que sirven como referencia de algunas de las que aparecen en los cuadros.

2012/07/02

Revelations. The History of the Photobook in Latin America [新発見 ラテンアメリカの写真集の歴史]

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Revelations. The History of the Photobook in Latin America
05/06/2012 - 14/07/2012
Ivorypress Space, Madrid, SPAIN

Photobooks are gradually winning wider recognition within the history of art as an ideal form of publishing photographic series. Since the outset of this art practice, the publication of photobooks in Latin America has been particularly intense. That said, they have largely gone undocumented. In response to this situation, a need was identified for research that would enable the excellent photobooks published in that part of the world over the last century to be catalogued and rediscovered for what they are—true works of art.

Historian Horacio Fernández carried out four years of research in public and private libraries, second-hand stores, bibliographic databases, archives and collections on both sides of the Atlantic. This ambitious project was made possible with the support of a team made up by the photographers Marcelo Brodsky, Iatã Cannabrava, Pablo Ortiz Monasterio and Martin Parr, as well as the publishers Ramón Reverté and Lesley Martin.

The whole process —supported by the Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) and the Centro Cultural de España en São Paulo—led to the publication, in 2011, of The Latin American Photobook, the volume around which this exhibition is based. Presented at Ivorypress last 3 November, it not only allows the visitor to explore each individual photobook and learn more about the photographer, but also Latin America’s manifold social, political, and art histories. The book was published in Spanish by Editorial RM, in English by Aperture Foundation and Fundación Televisa, in Portuguese by Cosac & Naify, and in French by Images en Manœuvres.

The exhibition, which will remain on view until 14 July, showcases scores of originals of seminal photobooks published in Argentina, Bolivia, Brazil, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, Mexico, Nicaragua, Peru and Venezuela. In addition, the exhibition also displays several books open on different pages, early and modern prints, videos of books, models, notes and studies for mock-ups, as well as a large-format photo grid and even exploded layouts. The books are divided into seven thematic sections: America Before America, History and Propaganda, Urban Photography, Photo Essays, Artist’s Photobooks, Literature and Photography, and finally, Contemporary Photobooks.

This exhibition of photobooks—and Ivorypress’s input to the PHotoEspaña Off Festival—initially opened in Le Bal (Paris) in January 2012 and will be shown for the first time in Spain at Ivorypress. After Madrid, it will continue its tour to Aperture Foundation (New York), Instituto Moreira Salles (Rio de Janeiro and São Paulo).
(source from Ivorypress)

2012/07/01

NHK 日曜美術館 「この画家の見たもの 礒江毅 写実の眼」

NHK ETV
日曜美術館
放送日 2012年7月1日 午前9時~午前10時
放送日 2012年7月8日 午後8時~午後9時(再放送)

「この画家の見たもの 礒江毅 写実の眼」

出演
アントニオ・ロペス・ガルシア(画家)
木下亮(昭和女子大学教授)

鬼気迫る迫真の描写力によって、画面に漂う独特の神秘性まで描き上げた、磯江毅(1954~2007)。
日本が生んだリアリズム絵画の鬼才であり、近年、スペインと日本を中心に国際的に高い評価を受けた画家だ。昨年は没後初となる本格的な回顧展が開かれ大きな話題となった。
1954年、大阪に生まれた磯江は、19歳の時、スペインに渡り、かの地で約30年に渡り、写実絵画を探求し続けた。その間スペイン最大のコンクールで優勝。89年には、35歳で「14人のリアリズムの巨匠」にも選出される。磯江の特徴の一つは、卓越した色彩感覚、精緻な質感表現など、スペインの写実画家たちも、舌を巻く程の観察眼と技術力の高さだ。磯江にとって写実とは、外観を似せて描くのではなく、「なぜそこに存在するのか?」というところまで、対象を「見て、見つめて、見極める」ことである。それは、突き詰めれば、「なぜ私はここにいるのか?」という、果ての無い問いでもある。磯江は、2007年、ガンで53歳の生涯を閉じた。磯江が写実を通して凝視し続けた「存在すること」の答えは何であったか。リアリズムの神髄を探る。[NHKサイトより]
Copyright NHK (Japan Broadcasting Corporation) All rights

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「深い眠り」
Copyright NHK (Japan Broadcasting Corporation) All rights

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「19世紀タラベラ焼と葡萄(ぶどう)」
Copyright NHK (Japan Broadcasting Corporation) All rights

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「Vanitas(虚栄)と私」
Copyright NHK (Japan Broadcasting Corporation) All rights

■「磯江毅 写実考」展
会場 河口湖ミューズ館・併設展示室
    山梨県南都留群富士河口町小立923八木崎公園
    電話 0555-72-5258
会期 2012年3月24日(土)-9月26日(水)
    入場料 一般・大学生600円/高校・中学400円/小学生以下無料
    9:00-17:00(入館は16:30まで)
    休館日 木曜(祝日の場合は開館)

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増補 磯江毅|写実考 
美術出版社 2011
230ページ 28.2 x 23.2 x 2.6 cm
3,990円(税込)

■磯江毅展
会場 彩鳳堂画廊
    東京都中央区銀座6-7-7第3岩月ビル3階
    電話 03-3575-0960
会期 2012年7月4日(水)-31日(火)
    10:00-19:00 土日祝祭日休廊

Arte y política en España : 1898-1939  [スペインの政治と美術 1898-1939]

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Arte y política en España : 1898-1939
(Cuadenos PH XIII)
Coordinación: Isabel García García y Javier Pérez Segura
Coordinación editorial: Junta de Andalucía. Consejería de Cultura. Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico
2002, Junta de Andalucía. Consejería de Cultura. Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico y Editorial Comares.
3,830円

Resumen:
Algunas de las propuestas historiográficas que propugnaban por disociar la cultura artística de su sustrato político venían impulsadas, a veces, por un rechazo visceral hacia las orientaciones marxistas de una buena parte de los historiadores del arte de los años 60 y 70. Ello trajo consigo el abandono del compromiso político del arte, que persistió hasta los 80 y que aún sigue siendo una cuenta pendiente. Los trabajos aquí reunidos pretenden contribuir a reparar esta fractura hitorigráfica.

Presentación
Renovación, vanguardia y avanzada en el meridiano cronológico de la Segunda República
Arte y Política en la pintura española del novecientos
Arte Vasco y compromiso político (1898-1939)
La Gran Guerra, sus repercusiones y la dictadura (1914-1931)
La II República española y la sociedad de artistas ibéricos
El compromiso político de Picasso, Miró y Dalí
¡Cu-Cut!, agente provocador al servicio de la Lliga Regionalista
La alianza de artistas antifascistas y las fallas del 37
Los álbumes de la guerra civil española y el realismo combativo
El arte en el bando franquista durante la guerra civil
Imágenes desde el exilio Artistas españoles en la trama del movimiento intelectual argentino

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