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2012年6月

2012/06/28

María Blanchard cubista/キュービスト マリア・ブランチャール展

María Blanchard Cubista. Fundación Botín
23 junio 2012 - 16 septiembre 2012. Santander
Inauguración restringida: viernes 22 de junio.
Lugar: sala exposiciones Fundación Botín. Calle Marcelino Sanz de Sautuola, 3.
María Blanchard. Exposición antológica. Museo Nacional Centro de Arte
Reina Sofía.
17 octubre 2012 - 25 febrero 2013. Madrid.
Inauguración: martes 16 de octubre.
Lugar: Edificio Sabatini. Calle Santa Isabel, 52
Comisaria: María José Salazar.

La exposición esta coproducida con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de
Madrid, que en otoño de 2012 presentará una antológica de toda su producción.
María José Salazar, conservadora del Museo, es la comisaria.
La Fundación Botín centrará la exposición de Santander en el periodo cubista de
esta artista española que vivió la pintura con todas sus incertidumbres y
convicciones y que llegaría a ser una de las grandes figuras de la vanguardia.
Nacida el mismo año que Picasso, Gargallo o Vázquez Díaz, perteneció a una
generación de artistas cuyo reconocimiento nunca fue parejo con el suyo.
María Blanchard (Santander, 1881 – París, 1932) ha sido y aún sigue siendo hoy, la
gran desconocida del grupo de artistas que consolidaron la renovación artística de
principios del siglo XX. Se cumplen este año los 80 años de su muerte.
Pese al tiempo transcurrido, una serie de hechos ajenos a su devenir artístico
hicieron que su vida fuera relatada con grandes lagunas y enormes contradicciones
y su obra permaneciera en un segundo plano respecto a sus coetáneos y amigos de
la vanguardia, a los que sin duda igualó y en algunos casos superó.
Tanto la muestra de la Fundación Botín como la del Museo Reina Sofía tratan de
poner en valor la aportación de una mujer entregada en su totalidad al arte,
durante los primeros años del siglo XX y a la que sus amigos, grandes artistas,
reconocieron como otra grande. Ambas exposiciones permitirán descubrir en toda
su magnitud la importancia de Maria Blanchard.

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Naturaleza muerta con relieve, ca. 1916‐1917
Óleo sobre lienzo, 145,2 x 95, 5 cm
Museo de Bellas Artes de Caracas
Cortesía del Museo de Bellas Artes de Caracas

Obra expuesta
La propuesta expositiva que se presenta en la sala de la Fundacion Botin gira en
torno a su trabajo cubista, (1913-1919), siendo esta la primera muestra de
caracter cientifico que sobre este periodo se ha llevado a cabo. Cuenta con
fondos internacionales, gran parte de las cuales no se han mostrado nunca
en Espana y algunos son ineditos. Tambien es la primera vez que se incluyen
dibujos.
La exposicion en Santander reune 53 obras realizadas entre 1913 y 1919,
pertenecientes todas ellas a sus trabajos cubistas. 15 de las mismas no se
mostraran posteriormente en Madrid, que acogera una retrospectiva total de su
produccion.

Mara_blanchard_naturaleza_muerta_ca
Naturaleza muerta, ca. 1917
Óleo sobre tablex, 60 x 70 cm
Association des Amis du Petit Palais, Ginebra
Cortesía de la Association des Amis du Petit Palais, Ginebra –
Photograph: Studio Monique Bernaz, Genève.

Sobre la artista
La artista, se adentra con pasion, en el movimiento. Su obra presenta una clara
evolucion. Desde un primer cubismo en el que ejecuta obras sencillas, con
elementos figurativos facilmente identificables, que representa mediante formas
geometricas en planos superpuestos, evolucionando hacia un cubismo mas
sintetico, en unas composiciones en las que reduce la tematica a elementos
esenciales, expresados mediante planos expuestos desde diversas perspectivas.
Concibe una obra muy personal en su paleta, en su construccion, en sus temas.
Pero por encima de todo ello, esta su libertad de creacion. Maria trabaja con rigor,
con sinceridad, con sentimiento, pero sobre todo trabaja en libertad. Se trata pues,
de un cubismo muy personal que se distingue por su rigor formal, su austeridad y
el dominio del color.
Con estas obras no solo alcanzara el exito, sino tambien el reconocimiento de
marchantes, criticos y artistas. No llegara a crear escuela, pero contribuira al
desarrollo del movimiento, con la misma categoria y entidad que los demas
artistas de su generacion.
Maria encuentra en la practica del cubismo, una via de expresion que le permitira
demostrar que, plasticamente al menos, esta a la altura de los mejores pintores de
la vanguardia. No solo realiza algunas de sus mejores composiciones, sino que es
ademas la epoca en la que comparte experiencias con sus amigos, Diego Rivera,
Jacques Lipchtiz, Juan Gris y Andre Lhote, por citar a los mas cercanos.
Resulta muy significativo, que artistas de esa talla la aceptaran en su grupo sin el
menor reparo, llegando incluso, como ocurre con Rivera y Gris a compartir taller,
viajar juntos por Europa, durante largos periodos y asistir a las habituales tertulias
artisticas de Paris. Recordemos una vez mas, que es una mujer artista, en un
mundo creativo dominado por los hombres.
Maria Blanchard vivio una epoca compleja, como artista y como mujer, que le
obligo a duras renuncias, tanto en lo social como en lo material, para poder
entregarse plenamente a la pintura. Desde un punto de vista conceptual, la
transferencia de la experiencia vital, el dolor y el sufrimiento, a los personajes
representados en el lienzo, permite trazar un cierto paralelismo entre su trabajo y
el de la mexicana Frida Khalo.

Como antesala y complemento de la exposicion de Santander, la Fundacion Botin,
con la coordinacion de Berta Sichel, ha organizado un ciclo de cine sobre
Germaine Saisset-Schneider (Amiens 1882-Paris1942), que entro en la historia del
cine como Germaine Dulac y que, al igual que Maria Blanchard, trabaja en la mas
pura vanguardia: aunque no hay constancia de que se conocieran, sus mundos
corren paralelos en la dificil aventura de abrir nuevos cauces al arte. Las sesiones,
donde se exhiben peliculas de la epoca, son el 19 y 21 de junio, 31 de julio y 2 de
agosto.

Maria Blanchard, exposicion antologica, en el Museo Reina Sofia
La exposicion cuenta con 77 obras, que comprenden trabajos de las tres etapas
fundamentales en que podemos dividir su creacion: una primera Etapa de
Formacion (1908-1913), que incluye obra temprana, caracterizada por la
permeabilidad a las influencias de sus maestro, pero dotada ya de una fuerte
personalidad. Un segundo periodo, Cubista (1913-1919), en el que trabaja junto a
los grandes creadores, y en el que concibe una obra personal y diferenciada; por
ultimo, su etapa final, (1920-1932), en la que retoma la figuracion, deudora en sus
estructura y composicion de sus trabajos cubistas, con un punto de inflexion vital y
artistico en 1927. Del total de obras, 38 del periodo cubista estaran en Santander,
mientras que los 39 cuadros restantes, correspondientes a su primera y tercera
etapa creadora, solo se mostraran en Madrid.
Maria Blanchard. Cubista.
Apertura al publico 23 de junio. Hasta el 16 septiembre de 2012.
Lugar: sala exposiciones Fundacion Botin. Calle Marcelino Sanz de Sautuola, 3.
Horario diario, festivos incluidos: de 10:30 a 21.00 horas. Entrada gratuita.

MASQUELIBROS 第1回マドリッド・アーティストブックフェア

Masquelibros

La Asociación Sociocultural TRIPLICA EQUIPO (A.S.T.E.) organiza la Feria MASQUELIBROS, I Feria de Libro de Artista de Madrid.

MASQUELIBROS llega con un carácter innovador y educativo y busca difundir el libro de artista como objeto de arte, creando un ámbito donde reunir a cuantos trabajan e investigan en este campo. El libro de artista como idea y como obra de arte transmite conceptos expuestos de forma escrita o visualmente, con multiplicidad de materiales, técnicas y significados, dando especial importancia a su presentación, materializando un universo lleno de posibilidades. Un tipo de obra donde la creatividad juega un papel fundamental y en la que “el libro es el medio no el fin”.

La Feria facilita el encuentro de artistas plásticos, poetas visuales, editores especializados, críticos de arte, profesores y alumnos de Bellas Artes y de Escuelas Arte, coleccionistas, bibliófilos y amantes de la cultura en general, para el estudio, el fomento creativo, la difusión y el intercambio de conocimientos sobre un género especifico de las Bellas Artes: EL LIBRO DE ARTISTA con suficiente entidad para dar contenido a este evento en Madrid, ciudad que no acoge, hasta ahora, ninguna Feria o punto de encuentro de estas características.

MASQUELIBROS nace con la intención de llenar este vacío, y cuenta con la colaboración de instituciones como el Centro Asociado de la UNED de Madrid, edificio de Las Escuelas Pías de San Fernando, en cuya sede se celebrará la Feria y el Ayuntamiento de Madrid, y con la participación de artistas nacionales e internacionales.

Por último destacar que dentro de la filosofía de la organización de la Feria está facilitar la participación, mediante subvenciones, para que puedan asistir artistas y colectivos que de otro modo no podrían presentar sus propuestas, y establecer como criterios primordiales para acceder a la misma, la calidad, la originalidad y la coherencia en las propuestas de las obras y los proyectos que se presenten.

会期 2012年6月22日‐24日
会場 Escuelas Pías de San Fernando, Lavapiés, Madrid

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アーティストブックコンテスト
Con motivo de la celebración de la Feria MASQUELIBROS, la Asociación Sociocultural Triplica Equipo (A.S.T.E.) convoca el I CONCURSO INTERNACIONAL DE LIBROS DE ARTISTA MASQUELIBROS, con la intención de estimular esta modalidad de creación artística.

El jurado ha estado compuesto por:

Rina bouwen (Galería Rina Bouwen).
Asela Pérez Becerril (Galería Espacio Valverde).
Lorena Corral (Comisaria de exposiciones).
José María de Francisco (Director Feria Estampa Arte Multiple).
Carmen Pallarés (Critica de Arte).

Después de su deliberación, y a ante la elevada calidad de los participantes, en el I Certamen de Libro de Artista MASQUELIBROS el Jurado decide añadir a los tres premios expresados en la Convocatoria, un Cuarto premio.

ARTISTAS PREMIADOS EN EL 1º CERTAMEN MASQUELIBROS
Premio 1-A a Amandine Nabarra Piomelli.
Premio 1-B a Mariano Bettosini Déniz.
Premio 1-C a Elisabeth Moreno Terroba.
Premio 1-D a Sammy S. Lee

ARTISTAS SELECCIONADOS EN EL 1º CERTAMEN MASQUELIBROS
Alarcon Ibañez, Veronica
Alonso Garcia, Leandro
Alonso Vega, Nieves
Baptista Nery, Maria
Barboza, Justo
Bernardo, Mariana
Castell, Silvia
Colas, Marga / Garcia Martinez, Marga
Colectivo Artistico "La Salita" Mariana Nieddu
Cruz Guimarey, Carolina
Cruz, Carolina Y Romero, Carolina
Diaz Erazo, Emy
Ecker Kohler, Jeanete
Eckert, Alexandra
Eguia Roman, Roman
Garcia Anton, Maria Dolores
Garcia Montoya, Belen
Grasset Ruiz, Ana
Hidalgo, Clara
Jimenez Cadiz, Pilar
Manero Alfonso, Teresa
Martinez Weiss, Anabel
Nieto Santamaria, Eulalia
Pineda Elvira, Irene
Prats Calleja, Marta
Pujol Saborit, Eva
Rubenimichi
Salazar, Maria
Serra Carbonell, M Pilar
Staude, Fernanda
Urbeltz Munuce, Araitz
Valenciano, Ana
Vall, Joan

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2012/06/24

シケイロス《Los próximos pasados》

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Los próximos pasados (2006)
Dirección: Lorena Muñoz
Guión: Lorena Muñoz
Sinopsis
Argentina, año 1933. El artista plástico David Alfaro Siqueiros, pinta el mural "Ejercicio Plástico", en el sótano de la mansión del empresario Natalio Botana. Setenta años después, nos sumergimos en el dramático recorrido de la obra que, desmontada y mutilada, yace encerrada en containers a merced del paso del tiempo.
85min-Color/Estreno: 14 de junio de 2007

David Alfaro Siqueiros, reconocido muralista mexicano, viaja a Argentina en los años treinta con la finalidad de dar unas conferencias y pintar un mural de temática revolucionaria, que se ve impedido por el clima político nacionalista. El millonario editor del diario Crítica, Natalio Botana y amigo del Presidente de la Nación Agustín P. Justo, propone a Siqueiros colaborar en el suplemento cultural del diario y pintar un mural en el sótano de su Quinta Los Granados. Siqueiros acepta y hace que su mujer la poeta Blanca Luz Brum se reúna con él, su llegada a Los Granados y su romance con Botana provoca los celos de su poderosa anarquista y esposa Salvadora Medina Onrubia, lo que convierte a la Quinta en escenarios del "Ejercicio Plástico", como Siqueiros llamó a su mural.

2012/06/18

Alfredo Jaar 《The way it is. An Aesthetics of Resistance》

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Alfredo Jaar, The Eyes of Gutete Emerita«, 1996/2000, Courtesy: Daros Latinamerica Collection, Zürich.

現代史やイメージとテキストの可能性と限界に関心を持つAlfredo Jaar(1956年、サンチャゴ・デ・チレ生まれ)の回顧展

Alfredo Jaar 《The way it is. An Aesthetics of Resistance》
会期 2012年6月15日 – 8月19日
会場 NGBK(Neue Gesellschaft für Bildende Kunst-New Society for Visual Arts)
    (ドイツ・ベルリン)
他の会場と会期
Berlinische Galerie: 15 Juni - 17 September 2012
Alte Nationalgalerie: 15 Juni - 16 September 2012

The Neue Gesellschaft für Bildende Kunst (New Society for Visual Arts) presents an exhibition by Chilean artist Alfredo Jaar (Santiago de Chile, *1956) simultaneously at three Berlin institutions. The monographic show offers a retrospective survey of an artistic production spanning close to four decades. It gives insights into the political topicality of the works by the two-time documenta participant and elucidates the critical methods of archiving, research and intervention employed by the artist.

The artist, trained as architect and filmmaker, works with urban spaces and spaces of the museum. He dissects surfaces and structures, producing artistic statements related to spatiality and society. The main focuses of the show is the artist’s observation of the language and programme of the image, as well as its deconstruction, what the artist has called the politics of the image. They address the artistic strategy of refusing images, present Jaar’s research work and display his considerations on the presentation and accessibility of various public spheres. Investigations of the visualisation of political and social events and the treatment of the resulting images demonstrate Alfredo Jaar’s critical approach to the media and media publicity.

The point of departure and reference point of Alfredo Jaar’s art is formed/informed by the careful methodology of the architect, a systematic and thorough analysis of the backgrounds and effects of concrete events and situations. His early works from the 1970s already deal with forms of resistance in public and semi-public spaces, thus criticising the conditions in Chile without becoming subjected to state censorship. After Jaar moved to New York City which was followed by an international artistic career, he continued to apply the poetic methods developed and tested in Chile.

Alfredo Jaar - The way it is. An Aesthetics of Resistance – the title of the show on view in the spaces of NGBK, Berlinische Galerie and Alte Nationalgalerie – refers to two projects that Alfredo Jaar realised in Berlin in the early 1990s. It makes reference to the artistic intervention “Eine Ästhetik zum Widerstand” (“The Aethetics of Resistance”) that Jaar presented at the Pergamonmuseum in 1992/93 (organised by NGBK in cooperation with DAAD). It also alludes to another intervention titled “The Way It Was” that the artist created in 1991 in an empty ground-floor flat in Berlin (in the frame of the show “Heimat”, organised by Galerie Wewerka & Weiss). Both projects can be regarded as brilliant examples of Alfredo Jaar’s interest in contemporary history and the possibilities and limitations of image and text systems. In his practice, Jaar highlights the discrepancy between real and reflected space.

The path that visitors now have to take between the three exhibition venues and the time that passes before the next encounter with Jaar’s works sharpen the art-goers’ ability to relate the artists pictorial solutions and themes to their own present. This allows experiencing in a reflected manner the seriousness, idiosyncrasy and determination of Alfredo Jaar’s works.

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Alfredo Jaar, An Aesthetics of Resistance, 1992

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展覧会図録
Alfredo Jaar
The way it is. Eine Ästhetik des Widerstands/An Aesthetics of Resistance
With text contributions by Lucy Lippard, Chantal Mouffe, Adriana Valdés, and Christian Höller
German/English
NGBK
2012年6月刊
価格等お問い合わせください。

2012/06/17

<冷戦時代のラテンアメリカ文学ブームと米国ナショナリズム> The Latin American Literary Boom and U.S. Nationalism During the Cold War

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The Latin American Literary Boom and U.S. Nationalism During the Cold War
Deborah Cohn

Nashvill, June 2012. Vanderbild University Press, 280p., 6in x 9in
paper 4,910円
cloth  9,020円

New book explores literary and political revolutions—and the rise of Latin American studies as a scholarly discipline

(Nashville, TN)  During the 1960s and 1970s, when writers such as Julio Cortazar, Carlos Fuentes, Gabriel Garcia Marquez, and Mario Vargas Llosa entered the international literary mainstream, Cold War cultural politics played an active role in disseminating their work in the United States. Deborah Cohn documents how U.S. universities, book and journal publishers, philanthropic organizations, cultural centers, and authors coordinated their efforts to bring Latin American literature to a U.S. reading public during this period, when interest in the region was heightened by the Cuban Revolution. She also traces the connections between the endeavors of private organizations and official foreign policy goals.

“I’m really interested in the history and paradoxes of Latin American literature in the U.S.,” says Deborah Cohn, author of THE LATIN AMERICAN LITERARY BOOM AND U.S. NATIONALISM DURING THE COLD WAR (Vanderbilt University Press June 22, 2012). She explains, “There was a lot of interest in the region and that led the U.S. government to restrict authors’ physical presence here for fear of them spreading anti-U.S. sentiment.  But at the same time cultural organizations were cultivating the exchange of ideas with those very same writers.”

The book documents how U.S. universities, book and journal publishers, philanthropic organizations, cultural centers, and authors coordinated their efforts to bring Latin American literature to a U.S. reading public.

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Deborah Cohn
Associate Professor of Spanish and American Studies at Indiana University Bloomington, is the author of History and Memory in the Two Souths: Recent Southern and Spanish American Fiction (Vanderbilt University Press).

2012/06/14

ホアキン・ソローリャの二作品がクリスティーズ史上最高額で落札

Dos Sorollas alcanzan los precios más altos en una subasta de Christie's

EFE
Londres- -- Dos Sorollas, “Pescadores. Barcas Varadas” y “Pescador de Quisquillas”, alcanzaron hoy los precios más altos en una subasta en Christie's de Londres al adjudicarse respectivamente por 9,13 millones de libras (1,4 millones de dólares y 1,15 millones euros) y 481.250 libras (744.012 dólares o 595.306 euros).

Ambos lienzos del pintor español Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923) fueron puestos a la venta junto con otros dos cuadros de ese artista por la prestigiosa casa de pujas, de los cuales tres hallaron comprador y uno de ellos, “A la Orilla del Mar”, no pudo venderse.

Las obras, dentro de una subasta sobre “Arte europeo del siglo XIX, incluyendo pinturas orientales”, proceden de coleccionistas privados europeos y corresponden a un periodo de madurez del autor, entre 1908 y 1910, cuando regresa a Valencia tras haber conocido el éxito internacional.

“Pescadores. Barcas varadas”, cuyo primer propietario fue el rey Alfonso XIII, fue el lienzo más caro de toda la subasta, según dijo a Efe un portavoz de Christie's, y cuenta con la peculiaridad de que en la esquina inferior izquierda puede verse la sombra del pintor.

El precio alcanzado por esa obra, de 9.137.250 libras (1.448.988 dólares y 1.159.378 euros), superó las estimaciones hechas por la casa de subastas, que había anticipado un valor de 800.000 libras (1,2 millones de dólares o 997.495 euros).

Otro de los Sorollas vendidos fue “Pescador de quisquillas”, el segundo lote más caro de la puja, que llegó a las 481.250 libras (744.012 dólares o 595.306 euros).
Esa obra retrata a un joven caminando por la playa en un día nublado, en una atmósfera de tarde.

El cuadro “El tío Pancha”, que combina simultáneamente la abstracción con el realismo, se subastó por 181.250 libras (280.212 dólares o 224.206 euros).

Menos suerte tuvo el cuarto Sorolla, “A la orilla del mar”, de mayor tamaño que los anteriores, que tenía el precio estimado más elevado, de 700.000 euros, y que no halló comprador.

A esa obra el mismo artista añadió durante su elaboración un segundo lienzo para dar amplitud a la composición y muestra una escena a la orilla del mar llena de luz, en la que se ve a la mujer de un pescador entreteniendo a su hijo pequeño.
El pasado mayo, esas cuatro obras fueron expuestas al público y los coleccionistas en Madrid.

El Nuevo Herald, Jueves, 06.14.12

中南米のパブリック考古学 - 人々と遺跡の狭間で

古代アメリカ学会 第1回西日本部会研究懇談会
「中南米のパブリック考古学 - 人々と遺跡の狭間で」

 パブリック考古学とは、「古代の遺跡を観光や教育などの資源として活用し、遺跡周辺の貧しい村落社会に寄与する際の諸問題を研究すること」と例示されている。以前から、日本における中南米考古学者の間でも個別の実践例は知られていたが、まとまって学会の遡上に載るのは今回が初めてとのこと。
 中米・南米それぞれを専門とする現地経験豊富な3名の発表を行う。

〔日時〕 2012年6月16日(土) 13:30より
・発表1 13:30~14:15(および質疑応答10分)
・発表2 14:25~15:10(および質疑応答10分)
・小休憩(10分)
・発表3 15:30~16:15(および質疑応答10分)
・ディスカッション 16:25~(17:00終了予定)
事前申込不要

〔会場〕 神戸市外国語大学「三木記念会館」
     兵庫県神戸市西区学園東町9丁目1

〔連絡先〕
・古代アメリカ学会西日本部会幹事・芝田幸一郎(神戸市外国語大学)
         ks@inst.kobe-cufs.ac.jp
・古代アメリカ学会事務局 jssaa@sa.rwx.jp

〔発表内容〕
clip発表1.ダニエル・サウセード・セガミ(総合研究大学院大学・博士後期課程)
「ペルー北海岸におけるパブリック考古学の活動」

clip発表2.大谷博則(奈良大学院博士満期退学)
「ペルー・コンチュコス地域における住民参加によるインカ道の保全活用:文化・道路・教育行政間での連携体制構築を基にした考察」
【概要】
 地域住民の参加は文化遺産の保全活用における主要テーマとして認識されており、ペルーのインカ道プロジェクトにおいても、インカ道の観光活用や清掃ボラ ンティアを中心にこれまで議論されてきた。しかし、地域住民の意見や事情を個 別に考慮した事例はほとんどない。
 インカ道をこれまで利用し管理してきたのは地域社会である。そのため、文化遺産の保全活用を論じる際には、当該社会の実情を考慮することは不可欠である。同時に、国際援助やペルー国や県による政策・制度など、様々な要素を踏まえ、実現可能で、持続可能な制度を構築する必要がある。
 そこで、本発表では、ペルーの道路行政で実施されている事業を基とした新たなインカ道などの古道を保全・修復・維持し、地域教育に活用するための制度構築について述べる。そして、本事例研究を通じて、ペルー国におけるインカ道の保全活用について論じる。
【キーワード】
 ペルー、コンチュコス地域、インカ道、文化遺産保全活用、住民参加

clip発表3.村野正景(京都府京都文化博物館)
「パブリック考古学の実践と課題 - エルサルバドル共和国における経験をもとに -」
【概要】
 いわゆる開発途上国におけるパブリック考古学は、考古学(者)や文化遺産と人々の間の不自由の原因を取り除き、知識、自信、楽しみ、啓示などを享受する本質的自由を増大するプロセスと考える。この作業は、これまでも多くの考古学者によって実践されてきたものの、現在では、これまで以上に、個々の取り組みの経験や知識を集積させ、他国や他地域での参照モデルとする、あるいは理論的枠組みを形成する、それらを議論する土台をつくる必要性が意識されている。エルサルバドル共和国では、1995年以降、発掘調査と同時に地域の社会開発を目指した実践が日本の調査隊によりおこなわれてきた。本発表では、それらの実践を報告し、事例や経験の共有を図りつつ、パブリック考古学の意義と課題について 検討してみたい。

2012/06/12

<メキシコ革命を撮る>Photographing the Mexican Revolution. Commitments, Testimonies, Icons

Photographing_the_mexican_revolutio

Photographing the Mexican Revolution
Commitments, Testimonies, Icons

By John Mraz
2012, University of Texas Press
8 x 9 in. 328 pp., 197 duotones, hardcover
4,140円

The Mexican Revolution of 1910–1920 is among the world’s most visually documented revolutions. Coinciding with the birth of filmmaking and the increased mobility offered by the reflex camera, it received extraordinary coverage by photographers and cineastes—commercial and amateur, national and international. Many images of the Revolution remain iconic to this day—Francisco Villa galloping toward the camera; Villa lolling in the presidential chair next to Emiliano Zapata; and Zapata standing stolidly in charro raiment with a carbine in one hand and the other hand on a sword, to mention only a few. But the identities of those who created the thousands of extant images of the Mexican Revolution, and what their purposes were, remain a huge puzzle because photographers constantly plagiarized each other’s images.

In this pathfinding book, acclaimed photography historian John Mraz carries out a monumental analysis of photographs produced during the Mexican Revolution, focusing primarily on those made by Mexicans, in order to discover who took the images and why, to what ends, with what intentions, and for whom. He explores how photographers expressed their commitments visually, what aesthetic strategies they employed, and which identifications and identities they forged. Mraz demonstrates that, contrary to the myth that Agustín Víctor Casasola was “the photographer of the Revolution,” there were many who covered the long civil war, including women. He shows that specific photographers can even be linked to the contending forces and reveals a pattern of commitment that has been little commented upon in previous studies (and completely unexplored in the photography of other revolutions).

John Mraz is Research Professor at the Instituto de Ciencias Sociales y Humanidades, Universidad Autónoma de Puebla (Mexico) and National Researcher III. Among his books are Looking for Mexico: Modern Visual Culture and National Identity; Nacho López, Mexican Photographer; La mirada inquieta: Nuevo fotoperiodismo mexicano, 1976–1996; and Uprooted: Braceros in the Hermanos Mayo Lens.

2012/06/11

<ムリーリョとネべ 友情と美術>Murillo y Justino de Neve: el arte de la amistad

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Fundación de Santa María Maggiore de Roma. El patricio revela su sueño al papa Liberio, Bartolomé Estebán Murillo. Óleo sobre lienzo, 232 x 524 cm. 1662 - 1665. Madrid, Museo Nacional del Prado

<ムリーリョとネべ 友情と美術>Murillo y Justino de Neve: el arte de la amistad
会期 2012年6月26日-9月30日
会場 Sala C. Edificio Jerónimos, Museo Nacional del Prado, Madrid, España

ムリーリョの晩年の作品制作には、セビリア大聖堂参事会員のフスティノ・デ・ネベとの親交が関わっている。

Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682) pintó algunas de las obras más destacadas de su producción tardía gracias a su relación con Justino de Neve (1625- 1685), canónigo de la Catedral de Sevilla. Neve le propició importantes encargos públicos, como los lunetos de la Fundación de Santa María la Mayor de Santa María la Blanca, el Bautismo de Cristo de la Catedral o La Virgen y el niño repartiendo pan a los sacerdotes para el Hospital de los Venerables Sacerdotes, institución fundada por el canónigo. Además, Neve poseía un excepcional conjunto de obras de Murillo, en el que se incluían la Inmaculada de los Venerables, el San Juan Bautista niño o tres exquisitas pinturas sobre obsidiana.

El Museo del Prado ha organizado esta exposición en colaboración con la Fundación Focus-Abengoa de Sevilla –con sede precisamente en el Hospital de los Venerables- y la Dulwich Picture Gallery de Londres. Compuesta por 18 obras de Murillo, fruto de su amistad con Justino de Neve, algunas restauradas expresamente para la ocasión, la muestra se presentará primero en el Prado, pasando después a su segunda sede, el Hospital de los Venerables de Sevilla (de octubre de 2012 a enero de 2013), para concluir el próximo año en la Dulwich Picture Gallery de Londres (de febrero a mayo de 2013).

Exposición organizada por el Museo Nacional del Prado, la Fundación Focus-Abengoa y la Dulwich Picture Gallery


Avance en video de la exposición Murillo y Justino de Neve: el arte de la amistad con comentarios de Gabriele Finaldi, Director Adjunto de Conservación e Investigación del Museo del Prado y comisario de la exposición, en la Iglesia del Hospital de los Venerables de Sevilla

2012/06/10

「クラウド・シティ」 トマス・サラセーノ展

会期:2012年5月26日(土)~8月31日(金)
    月~土曜11:00~20:00 (最終入場19:30)
    日曜 11:00~19:00(最終入場18:30)
    会期中無休 入場無料

会場:メゾンエルメス8階フォーラム
(中央区銀座5-4-1 TEL: 03-3569-3300)

主催:エルメス財団

 トマス・サラセーノ(Tomás Salaceno)は1973年アルゼンチン生まれ。ブエノスアイレス大学にて建築を学んだ後、ヨーロッパに渡り、現在はドイツのフランクフルトを拠点に活動しているアーティストです。2006年のサンパウロ・ビエンナーレ、2009年のヴェネチア・ビエンナーレと、国際展での活躍もさることながら、アメリカやイギリスなど世界各地の文化施設の屋内外を使用した大規模なインスタレーションでも注目を集めています。日本では2008年開設の十和田市現代美術館(青森)での作品が記憶に新しい気鋭の作家です。
 サラセーノの作品は、クモの巣、泡、雲といったイメージをもとに、いかにしてこの世界を持続させながら共生共存するのか、という複雑な問いに対する明快な「予見」の表現であるといえます。ヴィジョナリー・アーキテクトと呼ばれる、バックミンスター・フラーに始まり、アーキグラム、ヨナ・フリードマンなどの先達が、急速な高度経済成長に警告を発しつつ、空に浮かぶ都市に未来の都市像を映してきました。こうした先達たちに続き、サラセーノは生態学的に持続可能な空中都市の創造に一歩近づきます。
 サラセーノによる本展『Cloud Cities(クラウド・シティ)』は、空中に浮かぶ居住可能なセルの結合体からなる‘空中都市’を表現しています。『Cloud Cities(クラウド・シティ)』は、流動的で境界線のないグローバルな共同生活のヴィジョンであり、国境や民族、人口過密や環境破壊といった地上の問題から文字通り“雲のように浮上して”、空中に新たな居住性を獲得します。
中空に位置するメゾンエルメス8Fフォーラムの会場は、泡のような構造体から空中都市というひとつの生命圏を作り出します。サラセーノの作品はどこまでも透明で軽い未来像を映し出すと同時に、現実世界がはらむ問題に対し私たちの自発的な対話を生む、現在と未来の結節点とも言えるでしょう。(ART iT)

Iris and B. Gerald Cantor Roof Garden
The Metropolitan Museum of Art
May 15, 2012--November 4, 2012

Tomás Saraceno on the Roof: Cloud City
was organized by Anne Strauss, Modern and Contemporary Art

Camera and Editing
Thomas Ling

The exhibition is made possible by Bloomberg.

Additional support is provided by Cynthia Hazen Polsky and Leon B. Polsky, The Daniel and Estrellita Brodsky Foundation, William S. Lieberman Fund, and Eugenio Lopez.

Cloud City is lent by Christian Keesee.

<ポルトガル出身の画家Paula Rego> Paula Rego: Balzac and other stories

ポルトガル・リスボン出身で、英国に帰化した画家Paula Rego(1935年生まれ)の新作展。

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Paula Rego, Prince Pig and his first Bride, 2006. Lithograph. Edition of 35. Paper: 65.5 x 73 cm.© the Artist. Photo: Courtesy of Marlborough Fine Art (London) Ltd.

パウラ・レゴ バルザックと物語/Paula Rego. Balzac and other stories
会期 2012年5月29日-6月30日
会場 Marlborough Fine Art, London, UK

One of Honoré de Balzac's most celebrated tales, The Unknown Masterpiece is the story of a painter who, depending on one's perspective, is either an abject failure or a transcendental genius - or both. The story has served as an inspiration to artists as various as Cézanne, Henry James, Picasso, and Paula Rego.

The sumptuously produced Catalogue Raisonné discusses and illustrates all Rego’s prints, including unpublished work. The second edition includes chapters on five new series produced since 2003 – Moon Eggs, Prince Pig, Wine, Curved Planks and Female Genital Mutilation; on the influence of Irish playwright Martin McDonagh’s work on Rego; and an updated section of Works Out of Series.

Many of Rego’s prints are based on themes, as she says that one image triggers the idea for the next. Among these are Rego’s Nursery Rhymes, which reveal a darkly humorous take on the difficulties of childhood, and provide a rich seam for her precocious girls and individually characterized animals. Her work is known for revealing complex stories about the sinister side of sexuality and family relations, and Rego’s feminism underlies everything she does: the six works in the Female Genital Mutilation series are some of the most powerful images that she has ever produced.

A fully illustrated catalogue of the exhibition will be published with an introduction by Tom Rosenthal.    The revised edition of Paula Rego: The Complete Graphic Work will be available for purchase at the Gallery.

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Night Bride etching and aquatint, 2009

■ Paula Rego (b.1935)
Paula Rego established an early reputation with her surreal collages, later populated with subversive cartoon-like animals. In 1988, a retrospective at the Serpentine Gallery in London confirmed her international reputation. A powerful original female voice, she is now one of Europe's most sought after artists.

A powerful original female voice, she is now one of Europe's most sought after artists. A painter of 'stories', her characters enact a variety of roles and depict disquieting tensions below the surface. Her most recent work, large pastel paintings and sharply drawn etchings, express an extraordinary range of emotions and experiences. Paula Rego's painting 'War' and selected prints were on view at the "Only Make-Believe" exhibition at Compton Verney, Warwickshire from 25 March - 5 June 2005.  Paula's series of large scale drawings, entitled Human Cargo, were shown at the Marlbrough Chelsea Gallery, New York, April - May 2008.  The catalogue introduction includes an interesting insight into Paula's work by the curator Marco Livingstone: First Principles.  A recent publication by John McEwen entitled Behind the Scenes offers an interesting new approach to Paula's work through the studio and the models instillations that she uses.

Works by Paula are included in the Corner Group Exhibition at the Sophienholm, Lyngby near Copenhagen, 8 January - 8 March 2009.  Her Little Red Riding Hood Suite 2003 will be included in an exhibition at the Harris Museum & Art Gallery, Preston from 13 June - 6 September 2009.  Other forthcoming exhibitions are The Artist’s Studio at Compton Verney, Warwickshire, 26 September - 13 December 2009, curated by Giles Waterfield and Decadence, the Rake’s Progress at the Dunkers Kulturhus, Helsingborg, Sweden, 23rd October 2009 until February 2010, to include the Hogarth Triptych Marriage a la Mode from the Tate Britain's collection and other related works, her After Hogarth etchings and O Vinho series of lithographs.

The Jane Eyre series of paintings and prints was exhibited at Marlborough Fine Art in October 2003 coinciding with the publication of Paula Rego - The Complete Graphic Work published by Thames & Hudson. A major Retrospective exhibiiton of paintings, prints and drawings from 1997-2004 was on show at the Serralves Museum of Contemporary Art, Oporto from October 2004-January 2005. An exhibition of Paula's work including her triptych 'The Pillow Man' was shown at Tate Britain from 27 October 2004 - 2 January 2005. This was the first in Tate Britain’s new biennial series of concise exhibitions featuring the work of senior British artists. The exhibition included early work responding to the political climate in Portugal of the 1960's; Triptych 1998 - a response to the referendum in Portugal on the question of legalising abortion and more recent paintings. Paula Rego's painting 'War' and selected prints were on view at the "Only Make-Believe" exhibition at Compton Verney, Warwickshire from 25 March - 5 June 2005.

■ BIOGRAPHY 1935 Born in Lisbon, Portugal 1952-56 Slade School of Fine Art 1990 Appointed the First National Gallery Associate Artist 1999 Honorary Doctorate of Letters, University of St. Andrews, Scotland; Honorary Doctorate of Letters, University of East Anglia, Norwich; 2000 Honorary Doctorate of Letters, Rhode Island School of Design, USA Lives and works in London

■ Selected Solo Exhibitions

1965 SNBA, Lisbon, Portugal
1975 Módulo Centro Difusor da Arte, Lisbon
1982 Edward Totah Gallery, London (also in 1984,85 and 87)
1988 Retrospective Exhibition,Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon; Casa de Serralves, Oporto; Serpentine Gallery, London
1989 Marlborough Graphics, London (also in 1992-93,96 and 99)
1991-92 Tales from the National Gallery- touring exhibition
1992-93 Marlborough Fine Art, London (also in 1994)
1996 New Work, Marlborough Gallery, New York
1997 Retrospective exhibition - Tate Gallery Liverpool
1998 The Sin of Father Amaro, Dulwich Picture Gallery, London
1999 Recent Work, Marlborough Galeria SA, Madrid; Fundação Calouste Gulbenkian , Lisbon
Open Secrets - Drawings and Etchings, University Art Gallery, University of Massachusetts, Dartmouth, USA; Centre Culturel Calouste Gulbenkian, Paris
Pendle Witches, Children's Crusade and Drawings, Abbot Hall Art Gallery, Kendal
2001-02 Celestina's House, Abbot Hall Art Gallery, Kendal, travelling to
Yale Center for British Art, New Haven, Connecticut
2004-05 Serralves Museum of Contemporary Art, Porto, 15 October - Jan 2005
2004 Tate Britain 27 October - 2 Jan. 2005
2005 Paula Rego Printmaker, print retrospective exhibition touring the UK
2006 Recent work, Marlborough Fine Art, London, 11 October - 18 November
2007 Paula Rego Graven Images, Waterhall Gallery of Modern Art, Birmingham Museum & Art Gallery
2007-08 Paula Rego Retrospective exhibition, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, 25 September – 30 December. Travelling to the National Museum of Women in the Arts, Washington, 1 February – 25 May 2008
2008 Paula Rego Human Cargo, Marlborough Chelsea, New York, 17 April – 17 May. Paula Rego Retrospective de l’oeuvre graphique, Ecole Superieure des Beaux-Arts, Nimes
2009 Paula Rego, Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal, 18 September - 18 March 2010
2010 Paula Rego Oratorio, Marlborough London, 7 July - 20 August 

■ Books & Catalogues

John McEwen Paula Rego, Phaidon Press, London, 1992
Paula Rego, Tate Gallery Publications, 1997
Fiona Bradley Paula Rego, Tate Publishing, 2002
John McEwen, Paula Rego Behind the Scenes published by Phaidon Press July, 2008                        

■ Public Collections

Arts Council, British Council, Gulbenkian Foundation, Portugal, National Gallery, London, National Portrait Gallery, London, Portuguese Embassy, London, Tate Britain.

2012/06/09

<ディエゴ・ベラスケス 宮廷肖像画の始まり> Diego Velázquez - The Early Court Portraits

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ディエゴ・ベラスケス 宮廷肖像画の始まり/Diego Velázquez - The Early Court Portraits
会期 2012年9月16日-2013年1月13日
会場 Meadows Museum, Southern Methodist University, Dallas, TX, USA

Meadows Museum所蔵の《フェリペ4世》を含めた、プラド美術館の収蔵品を展示する。

This fall, the Meadows Museum welcomes the magnificent portrait of Philip IV (1623-28), by Diego Velázquez (1599-1660). This is the third loan from the Museo Nacional del Prado in Madrid that comes to Dallas as part of the groundbreaking three-year partnership between the Meadows Museum, SMU, and the Spanish institution. The exhibition, organized by guest curator Dr. Javier Portús, Senior Curator of Spanish Painting at the Prado, will also include a selection of early portraits by Velázquez from other collections, and will offer visitors the unique opportunity to view the Meadows’s own Portrait of King Philip IV (1623-24), by Velázquez, within the context of other early works by the Spanish master.

Velázquez painted his first portrait of Philip IV in 1623, when the artist was only twenty-four years old. The painting was so well received at court that it assured him his appointment as royal painter to the Spanish king. According to Velázquez’s father-inlaw, art theorist Francisco Pacheco (1564-1644), because of the portrait’s success, the artist was given the exclusive right to portray the king. Many scholars have considered the possibility that the Meadows’s Portrait of King Philip IV is this first portrait of the king by Velázquez, after which he modeled subsequent portraits, among these the underlying image in the Prado’s Philip IV.

In his first royal portraits, Velázquez followed the established Spanish Habsburg portrait tradition that favored “icon-like” images with highly finished and detailed surfaces. But before long, he developed his own portrait style and surpassed these conventions by creating new prototypes that influenced the official imagery of the Spanish kings throughout the seventeenth century. In his portraits, Velázquez went beyond the distant representations of royals and courtiers, and approached the inner self of his subjects. His solemn and psychological representations evoked an air of modernity unseen before, which soon translated into technical inventiveness marked by vigorous brushstrokes and an extraordinary economy of means.

The centerpiece of the exhibition, the Prado’s portrait Philip IV, is a quintessential work within Velázquez’s oeuvre because the wealth of information it provides allows for a better understanding of the artist’s creative process. Radiographs taken from the Prado’s portrait in 1960 confirmed what was already slightly visible to the naked eye: at some point, for reasons still unknown, Velázquez reworked the original portrait painted for the king, and achieved a likeness that preserved the characteristic Habsburg pronounced chin, which had been largely concealed in the earlier image. In the revised painting, Velázquez achieves a more elegant composition by determined only after undergoing in-depth analyses and comparison against other authentic works, such as the Meadows’s Portrait of King Philip IV.

Among the works that are being lent to the exhibition is the insightful portrait of one of Spain’s greatest poets, Luis de Góngora y Argote, painted during Velázquez’s first stay in Madrid in 1622, which belongs to the Museum of Fine Arts in Boston. In addition, Fort Worth’s Kimbell Art Museum will lend its own Velázquez masterpiece, the Portrait of Don Pedro de Barberana (c. 1631-33), painted soon after the artist’s first trip to Italy in 1631. From The Cleveland Museum of Art comes the enigmatic Portrait of the Jester Calabazas (c. 1631-32), the first in a series of court jester portraits Velázquez painted in the 1630s for the decoration of Philip IV’s pleasure palace in Madrid, the Palacio del Buen Retiro. This exhibition will offer an exceptional opportunity for the study of Velázquez’s portraits by presenting in one place oustanding examples from his early production. Together, these works provide an opportunity to more clearly appreciate the artist’s technique, remarkable innovation, and other distinctive facets of his style that explain his success at the court of Philip IV, one of the most discerning art patrons in the history of Early Modern art.

Considering that Velázquez’s total artistic production amounts to just over 100 works, the majority of which are in the Prado, it is remarkable that the Meadows Museum has among its holdings three important paintings by the Spanish master from different phases in his career: the aforementioned Portrait of King Philip IV, Female Figure (Sibyl with Tabula Rasa) (c. 1648), and the Portrait of Queen Mariana c. 1656). Algur H. Meadows’s vision to establish “a small Prado in Texas” has never been as close to reality as it will be when this exhibition opens and a significant selection of works by the artist most closely associated with the Prado are exhibited within the galleries of the Museum he founded. This impression is highlighted by having as the central work in the show the official portrait of the king whose art collection is the pillar upon which the Museo Nacional del Prado was established.

The Prado at the Meadows collaboration is under the scientific direction of Dr. Mark Roglán, Director of the Meadows Museum, and Dr. Gabriele Finaldi, Associate Director for Collections and Research at the Prado Museum. As in the first two successful installments of this partnership, the exhibition will be accompanied by a bilingual publication produced by the Meadows Museum that will present new research related to the work’s historical context, condition and conservation, provenance, attribution, literary connections, and its place within the artist’s production. In addition, the Museum will organize a symposium with both national and international scholars, along with other educational programming.

This exhibition and project have been organized by the Meadows Museum and the Museo Nacional del Prado, and are funded by a generous gift from The Meadows Foundation.

2012/06/08

<現代メキシコ絵画展>Modern Mexican Painting from the Andrés Blaisten Collection

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現代メキシコ絵画展/Modern Mexican Painting
会期 2012年4月29日-8月12日
会場 Meadows Museum, Southern Methodist University, Dallas, TX, USA

ラテンアメリカ美術コレクションとして知られている Andrés Blaisten Collectionの中からの近代メキシコ絵画の展覧会がMeadows Museumで開催されている。

This summer, visitors to the Meadows Museum will have the opportunity to experience one of the greatest collections of modern Mexican art in the world. Modern Mexican Painting from the Andrés Blaisten Collection will feature a selection of eighty paintings from this singular group of works.

Andrés Blaisten, whose collection is comprised of over 8,000 works of art—including paintings, sculpture, drawings, and prints—first began collecting while studying painting at the Academy of San Carlos in Mexico City in the late 1960s. At first casually buying paintings from his academy friends, Blaisten soon dropped out of the academy and alongside his business ventures, devoted himself to selecting art that reflected his own relationship with Mexico. Although Blaisten has acquired works from various periods, this exhibition focuses on a predominant interest of his: paintings created in Mexico in the first half of the twentieth century.

By virtue of their diversity, the paintings chosen for the exhibition demonstrate the social, political, and artistic patchwork that shaped Mexico and by extension, its art, from the beginning of the twentieth century until midcentury, when the artists fell into the shadow of the Cold War and their individual voices were swallowed into the machine of Communism.

Mexican Modernism was a polyphony of artistic voices, each expressing a particular point of view. This exhibition disproves the traditionally held idea that Mexican art of the early twentieth century was insular, its artists working for the most part without an awareness of avant-garde European art. In addition to the giants such as Diego Rivera, José Clemente Orozco, and David Alfaro Siqueiros, all represented in the exhibition, other Mexican artists visited Europe, while many others were aware of the theories and formal elements that informed the various“-isms” taking place on the other side of the Atlantic. At the same time, the Mexican Moderns also took great pride in their indigenous Mexican history, honoring the astonishing achievements and folkloric creation myths of the Aztec Empire and other contingents of pre-Hispanic Mexico. The fascinating juxtaposition of the Old and New World within the context of Mexican Modernism is evident in the display of the Museo Colección Blaisten at the Centro Cultural Universitario Tlatelolco (CCUT), an institution under the auspices of the Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). The Museo Colección Blaisten, a permanent installation of a portion of the collection at the CCUT, overlooks the archaeological site of Tlatelolco, the sister city of Tenochtitlan. A mural by Siqueiros also happens to be within walking distance from this cultural center.

Traditionally, 1921, the year of the first post-revolutionary murals under José Vasconcelos, newly appointed Minister of Public Education, has been considered the benchmark for the genesis of modern Mexican art. However, recent scholarship has shown that the artistic revolution began even earlier in the twentieth century. As early as 1909, Vasconcelos spearheaded a group known as the Athenaeum of Youth which challenged the Eurocentric bias of Mexican determinist politics. Examples of art from these early decades demonstrate that Mexican artists could glean from European art while simultaneously embracing their own identity. In the exhibition are works by Germán Gedovius, who studied at the Academy of Fine Arts in Munich, and a few of his pupils, including Saturnino Herrán. The ennui of Symbolism and other fin de siècle art movements encountered by Gedovius was adapted by Herrán, who conceived his own symbols of Mexican national identity in his art.

Students protesting artistic academicism helped to fuel the development of the Open-Air Painting School, established between 1913 and 1914. Flourishing in the 1920s, the Open-Air Painting School produced a number of artists represented in this exhibition, including Francisco Díaz de León, Gabriel Fernández Ledesma, Fernando Leal, Fernando Castillo, and Rosario Cabrera, along with several others. Alfredo Ramos Martínez, also represented in the exhibition, established the open-air model, based on the nineteenth-century Barbizon school in France. In this new model, the people, architecture, and landscape of rural Mexico replaced reproductions of Classical and Renaissance art as the focus.

A group of artists who challenged the heavy-handed politicized art of the 1920s and 1930s was the Contemporáneos. These artists focused on formal elements of composition rather than the idyll of rural Mexico and related historical or indigenous themes. Associated with the titular journal of literature and art, those counted among the Contemporáneos included Manuel Rodríguez Lozano, Julio Castellanos, Agustín Lazo, Rufino Tamayo, María Izquierdo, and Juan Soriano. The composition of a work, rather than subject matter, was their primary focus. Several of the Contemporáneos incorporated Surrealist elements in their canvases. While these painters did not wholly ascribe to Surrealist theory, their works garnered the attention of André Breton, who organized the Exposición Internacional del Surrealismo in the Galería del Arte Mexicano in 1940. Author of the first Surrealist manifesto, Breton called Mexico the “most surrealist country in the world” after a visit in 1938.

A major theme that connects the works of the exhibition is that of mexicanidad—literally translated as Mexicanness. In speaking about María Izquierdo, who is represented by two paintings in the exhibition, Blaisten could have also been speaking about the phenomenon of Mexican Modernism as a whole: “In her painting María Izquierdo does not ask what Mexicanness is … she exhibits and refines … being Mexican.” In other words, the concept of mexicanidad became, in the grand sum of the works of the Mexican Moderns, not a question, but an assertion. Expressing one’s identity—as a Mexican and as an artist—could take the form of an introspective self-portrait or a sophisticated likeness of an upper-class individual; a provincial landscape or a rendering of an industrial utopia. The Mexican Modern could delve at various depths into the theories and formal elements of the movements of the European avant-garde, or alternatively, re-create in their painted images a Mexico yet untouched by Spanish explorers.

Political pressures at midcentury ultimately stifled the momentum of the Mexican Moderns. Realism, overarching many of the creative manifestations of these artists, became a tool for political propaganda. Leon Trotsky and Joseph Stalin not so indirectly forced the hand of these artists, who lost their autonomy to the vicissitudes of authoritarian power.

This exhibition is organized by Museo Colección Blaisten of the Universidad Nacional Autonoma de Mexico in cooperation with the Phoenix Art Museum, The San Diego Museum of Art, and The Meadows Museum at Southern Methodist University.

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Image captions (top row - left to right):

Alfredo Ramos Martínez. Mancacoyota, 1930. Oil on canvas. 15-­‐1/8 x 15 in. © The Alfredo Ramos Martínez Research Project. Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

Ángel Zárraga. The Nude Dancer, 1907-­‐09. Oil on canvas. 59-­‐1/2 x 59 in. Collection of Andrés Blaisten. Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

Rufino Tamayo. Still Life with Foot, 1928. Oil on canvas. 22-­‐7/8 x 20 in. Collection of Andrés Blaisten. Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

Roberto Montenegro. The First Lady, 1942. Oil on cardboard. 10-­‐3/4 x 14-1/8 in. Collection of Andrés Blaisten. Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

Gabriel Fernández Ledesma. The Village Orator, c. 1928. Oil on wood. 20-­‐7/8 x 15-­‐3/8 in. Collection of Andrés Blaisten. Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

Saturnino Herrán. Our Ancient Gods, 1916. Oil on canvas. 39-­‐3/4 x 44 in. Collection of Andrés Blaisten. Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

Image captions (bottom row - left to right):

Diego Rivera. Irma Mendoza, 1950. Oil on canvas. 28 x 19-­‐5/8 in. Collection of Andrés Blaisten. Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

Olga Costa. Selfish Heart, 1950. Oil on canvas. 26-­‐3/8 x 28-­‐3/4 in. Collection of Andrés Blaisten.
Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

Manuel González Serrano. Equilibrium, c. 1944. Oil on cardboard. 22 x 15-­‐3/8 in. Collection of Andrés Blaisten. Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

Feliciano Peña. Self-Portrait, 1941. Oil on canvas. 23-­‐5/8 x 18-­‐1/8 in. Collection of Andrés Blaisten. Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

María Izquierdo. Portrait of Juan Soriano, 1939. Oil on canvas. 23-­‐5/8 x 23-­‐1/4 in. Collection of Andrés Blaisten. Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

María Izquierdo. The Raquet, 1938. Oil on canvas. 27-­‐1/2 x 19-­‐3/4 in. Collection of Andrés Blaisten. Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

Fernando Castillo. The Black Cat, c. 1929. Oil on canvas. 17-­‐1/8 x 14-­‐1/8 in. Collection of Andrés
Blaisten. Reproduced with the kind permission of Fundación Andrés Blaisten.

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